Con dos años de actividad en el mercado, Artefacto se ha posicionado como un referente en el sector de imprentas de fotolibros y libros de arte en general. Daniel R. Camus y Ricky Dávila, fundadores del proyecto y ambos con varias décadas de trayectoria profesional a sus espaldas, compartirán con el público la experiencia de imprimir libros especializados en el mundo del arte. Explicarán también las colaboraciones realizadas durante este tiempo con más de un centenar de autores, museos e instituciones del ámbito de la fotografía y del arte, tanto dentro como fuera de España.

Ricky Dávila (Bilbao, 1964) es un fotógrafo y escritor español. Graduado en el ICP de Nueva York y tras dos décadas residiendo en Madrid, la fotografía de Dávila, abonada en los primeros años al reportaje y a los viajes, ha evolucionado con el tiempo hacia una mirada más melancólica y brumosa. Ha realizado numerosas exposiciones, tanto en el territorio nacional como en el extranjero y ha recibido varios galardones como el Ortega y Gasset 94, el Fotopress 95, el II World Press Photo o el Best American Picture. Después de dirigir durante diez años el Centro de Fotografía Contemporánea de Bilbao (CFC), en la actualidad es director de Artefacto, empresa dedicada a la producción de libros de arte.

Daniel R. Camus (Santander, 1983), nieto de tipógrafo, decidió graduarse en técnicas de preimpresión en el Instituto Emilio Campuzano de Bilbao. En 2003, comenzó nueva andadura laboral en la imprenta Grafilur, realizando trabajos de preimpresión, impresión, encuadernación, etc.,  adquiriendo conocimiento del proceso completo de la creación gráfica. En 2018 recala en Estudios Durero como director ejecutivo del Laboratorio para el Arte; allí gestionó la producción de un centenar de exposiciones para clientes del mundo del arte y la cultura a nivel nacional e internacional produciendo también libros dirigidos al mismo sector. En 2023 funda Artefacto de la mano de Ricky Dávila, desde donde en los últimos años se ha dado vida a más de  100 proyectos.

Esta colección de imágenes nace de lo que casi nunca se enseña. De las fotografías que no encajan en ningún proyecto, que no ilustran una historia concreta y que rara vez vuelvo a mirar. Son imágenes solitarias, perdidas en los contactos, huérfanas de contexto. Muchas veces no recuerdo cuándo, ni dónde las hice. No responden a una intención clara ni a una decisión técnica consciente. Aparecen como un gesto reflejo, un impulso ejecutado sin pensar. No fueron pensadas para gustar, ni para ser útiles, ni siquiera para perdurar. Y, sin embargo, aquí están.

Son fotografías que no forman parte de nada y, precisamente por eso, no le deben nada a nadie. No tienen dueño, ni encargo, ni explicación. Con el tiempo he entendido que en esa falta de control hay algo profundamente honesto. Estas imágenes funcionan como una grieta, una ventana abierta a un yo todavía por descubrir. Un espacio donde la mirada se adelanta al pensamiento y donde la cámara actúa antes de que aparezca el juicio. One Shot no es una búsqueda de respuestas, sino una aceptación de la duda. Un intento de reconciliarme con lo que fotografío cuando no sé por qué lo hago. Porque a veces, las imágenes que creemos olvidadas son las que más se parecen a nosotros.

Sergio Cuevas (Torrelavega, 1978) es un fotógrafo autodidacta cuya formación no ha seguido un camino académico, sino uno construido a base de mirar, fotografiar y volver a mirar. Creció visualmente tomando como referentes a los grandes fotógrafos clásicos, especialmente Garry Winogrand, Robert Doisneau, Henri Cartier-Bresson o Elliott Erwitt, autores que marcaron de forma decisiva su manera de entender la fotografía como un acto intuitivo, humano y profundamente ligado a la calle y a la vida cotidiana.

La mayor parte de su trayectoria profesional se ha desarrollado en el ámbito de la fotografía social. Durante años ha trabajado en bodas, familias y retratos, intentando siempre vestir este trabajo comercial con sus propios gustos e influencias, buscando una mirada documental, honesta y atemporal, donde la emoción y el gesto tengan más peso que la puesta en escena.

Paralelamente, ha mantenido una línea de trabajo más personal centrada en la fotografía de calle. Un espacio de libertad creativa en el que la cámara se convierte en una extensión de la mirada y el impulso manda sobre la técnica. En este contexto nace “Pasajeros de la luz”, un proyecto realizado entre 2013 y 2018, fotografiado en blanco y negro y en formato medio, que recoge escenas cotidianas y anónimas desde una aproximación íntima y silenciosa; una selección de este trabajo fue expuesta en París. Por su parte, “Más allá del lugar” fue un proyecto que representó un punto de madurez en su forma de mirar: imágenes sencillas, directas, sin artificio… donde la luz y el instante sostienen todo el peso narrativo.

Su trabajo, tanto comercial como personal, parte siempre de la misma premisa: observar sin intervenir, dejar que las cosas sucedan y confiar en que una sola imagen, tomada en el momento justo, pueda contener más verdad que cualquier explicación.

Esta charla propone, partiendo del trabajo pionero de la bióloga y botánica Anna Atkins, un recorrido por la historia de la técnica de copia fotográfica de la cianotipia. Este antiguo procedimiento fotográfico monocromo permite obtener copias en un característico azul de Prusia.

La propuesta busca acercar al público la figura de Anna Atkins haciendo un reconocimiento de su trabajo y mostrando la evolución desde el siglo XIX hasta la actualidad de la técnica de los cianotipos. La artista Tamara García presentará algunos de sus proyectos en los que utiliza la cianotipia sobre distintos soportes y que servirán para explicar su proceso creativo a través de este medio. Durante la sesión se mostrarán obras de diferentes artistas de los siglos XX y XXI que han trabajado con esta técnica.

Tamara García (Santander, 1980) es una artista multidisciplinar cuya obra investiga el tejido de nuestras relaciones sociales, políticas y culturales. Su trabajo reflexiona sobre cómo estos vínculos se moldean a través de normas no escritas, costumbres y tradiciones, cuestionando las estructuras que rigen lo público y lo privado, lo institucional y lo íntimo, lo considerado alta o baja cultura. A través del arte visual, el vídeo, la performance o la instalación, explora cómo habitamos el espacio y nos adaptamos a las imposiciones geopolíticas contemporáneas.

Licenciada en Bellas Artes y Diplomada en Restauración de Obras de Arte, ha ampliado su formación con becas en la Berkeley Academy (California), en el CECRA de las Azores y en distintas residencias artísticas.

Ha participado en proyectos internacionales como Points of Return (Nueva York y Massachusetts), en la Feria JUSTMAD, en PROYECTOR (Madrid), en festivales como FIM, BAD o Sestao Photo (Bilbao), Desvelarte, Hágase la Luz, y el Festival Internacional de Mapping y Artes Visuales El Puerto Encantado (Santander), entre otros.

Desde 2020 es directora y programadora del Centro Cultural Eureka en Santander. En 2025 ha puesto en marcha el Encuentro de música electrónica experimental, cuerpo y visuales Frecuencia Oblicua. Forma parte de los colectivos GG, Söon i Noki y LA UCA, desde donde investiga las artes visuales en diálogo con la música electrónica experimental avanzada.

Su familia y su historia han moldeado la forma en que observa el mundo. La importancia de su gente, los gestos, los recuerdos y los espacios cotidianos fueron sus primeros escenarios. Su trabajo nace de lo cercano: de las historias que encuentra en casa, de lo que tiene a mano, en sus sueños y en quienes le han acompañado. Lo evocativo, lo que vuelve sin ser llamado, lo que reclama memoria, suele ser el punto de partida.

Referentes como Sally Mann le enseñaron que lo íntimo puede ser tan vasto como cualquier paisaje exótico. Y Duane Michals le abrió la puerta para contar historias con imágenes, confiar en que la emoción también es narrativa; de él nació también su necesidad de escribir.

En esta charla María De Las Casas nos hablará de cómo mira, por qué mira así y qué significa trabajar desde el propio territorio. ¿Qué busca al levantar la cámara?, ¿qué desea convocar?

En ese diálogo íntimo entre lo que ve y lo que recuerda surge la imagen que le habita.

Una imagen que no aparece por azar, sino en el cruce entre experiencia y memoria: un lugar donde lo cotidiano se revela y donde fotografiar es una forma de recordar y de enfrentarse al mundo.

María De Las Casas (Caracas - Venezuela, 1965) es una fotógrafa con más de 30 años de trayectoria, asentada en Santander desde 2014. Licenciada en Bellas Artes por el College of Santa Fe (Nuevo México, Estados Unidos), ha desarrollado una obra íntima y evocadora, centrada en la memoria, el territorio personal y la observación de lo cotidiano.

En Cantabria ha realizado exposiciones individuales en instituciones como la Fundación Bruno Alonso, el Centro Nacional de Fotografía, La Caverna de la Luz, y el Centro Cultural La Vidriera. También ha participado en varias muestras colectivas, incluyendo varias ediciones de PHotoESPAÑA.

Su experiencia profesional abarca docencia universitaria, formación artística para niños y adultos y gestión de imagen y comunicación. Cofundadora del Club de Fotografía La Solana, ha sido además vicepresidenta de Espacio Imagen y ha ocupado cargos de liderazgo en Toastmasters International, donde ha obtenido varios premios de oratoria. En su labor docente y creativa destaca la transmisión de una mirada propia, alimentada por una vida de viajes, mudanzas y la exploración de la memoria a través de la imagen.