Toda fotografía tiene algo de descubrimiento para quien elige el enfoque correcto al realizarla, y también algo de acercamiento para quien la observa una vez realizada. El fotógrafo nos acerca su impresión de una realidad observada. Cada mirada contiene un doble juego circular de visiones, comunicación-interpretación.

La mirada de Pepe Lamarca, tiene ya muchos años de trayectoria en los que, poco a poco, se fue creando una personalidad fotográfica. Es muy conocido en nuestro país por los retratos llenos de vida que fijaron en nuestro imaginario su quehacer artístico. Personajes icónicos del mundo de la cultura: el arte, la música, en especial el flamenco y el mundo de los gitanos por el que su mirada se apasionó.

Miro una y otra vez los retratos de Pepe Lamarca y le reconozco a él, su sencillez y su falta de artificios se transparenta en sus retratados, se implica con ellos, saca su vida y al tiempo les da una nueva vida que proyectaran para siempre. Es así, como sus fotografías, portadoras de cierta eternidad, perduran en el tiempo saltando a un nuevo género el de ser documento.

Lamarca venía de viajar con su cámara por otras latitudes, su Argentina natal, de donde ya traía muchas imágenes captadas con la emoción y el interés que le caracterizan. Es así como conoció y retrató a Janus Eichler. Estamos ante un acontecimiento fotográfico porque este proyecto que ahora se nos revela con Eichler nos transporta a un nuevo y desconocido mundo. Es retrato, es documento y es antropología.

En estas fotografías de Pepe Lamarca (Buenos Aires - Argentina, 1939) realizadas ya hace unos cuantos años, conocemos a Janus Eichler, (Polonia 1923, Buenos Aires 2002) una persona de aspecto apacible, simpático, con un bagaje vital duro. Deportado a Siberia, sufrió con su familia persecuciones, campos de concentración, maltratos y una agria lucha por la supervivencia. Salió de su país debido a la Segunda Guerra Mundial y después de su largo y muy duro periplo, en 1951 llega a Argentina, donde encuentra su lugar y desarrolla toda su trayectoria artística como pintor. En su otra faceta de ilustrador realizó trabajos para la editorial Codex sobre obras de Borges, El Quijote y las Tradiciones peruanas de Ricardo Palma.

Se establece en un barrio marginal porteño, El Dock Sud, apodado como “Los inundados darseneros”, en la desembocadura del Riachuelo al Río de la Plata. Un barrio muy deprimido, olvidado, donde la supervivencia y la miseria son protagonistas, al que ningún extraño se acerca con confianza. Allí, Eichler se interesa por sus gentes y sus formas de vida, convive con ellos, entre paisajes portuarios, con buques petroleros e industrias. Es difícil imaginar en este entorno una vida cotidiana.

Janos (Juan), se implica con sus vecinos, participa en sus características Murgas, y crean la “caravana de la alegría“, fue así como, en convivencia con ellos, Pepe Lamarca lo capta con su cámara.

Esta exposición tiene así una triple mirada: La del fotógrafo que convive con los retratados, la de darnos a conocer al artista Janos Eichler, y además la visión de la vida de un barrio que, entre las miserias, inventa la felicidad con sus disfraces, su expresividad y la música de sus murgas, con las herramientas que tiene.

Aquellas fotografías se transforman, nuevamente, en un interesante documento. Esta exposición es un viaje fotográfico que nos transporta a otros barrios lejanos donde los ciudadanos se ganan el derecho a habitar su ciudad, donde se crea vida. En entornos desprotegidos y olvidados, donde no parece posible que reine la fiesta y la alegría, Janos Eichler, un artista, emigrante polaco, con una experiencia de gran sufrimiento e incomprensión y obra pictórica muy hermosa, crea comunidad vecinal.

Es allí donde la mirada sensible de Pepe Lamarca disfruta también de esos momentos y los fija con su cámara. El sobresalto y el temblor del barrio Dock Sud (Buenos aires) con una madeja de duras experiencias luchas y avatares queda aquí reflejado en unos de sus momentos vitales festivos, tan necesarios para continuar habitando las ciudades.

Eva Ranea

***

Se trata, pues, de un trabajo de reportaje social que Pepe Lamarca quiso hacer en torno a Juan Eichler y su pequeña revolución con los jóvenes del barrio Dock Sud de Buenos Aires, a través de su iniciativa lúdica "Caravana de la Alegría". 15 imágenes para el recuerdo de tiempos que ya no volverán.

***

Pepe Lamarca (Buenos Aires - Argentina, 1939) inició su andadura profesional en los sesenta, realizando reportajes gráficos para los sindicatos sobre trabajos insalubres y documentando las condiciones de vida de los “golondrinas”, jornaleros que se desplazan, durante nueve meses al año con toda su familia, a las regiones ricas para sacar adelante las cosechas o trabajar tierras no explotadas por los terratenientes.

En esa época entabla relación profesional con el fotógrafo Humberto Rivas, retrata a numerosos escritores y artistas argentinos y conoce en la capital porteña a Paco de Lucía, Camarón y Antonio Gades. Estaba trabajando en las fotografías de los carteles que debían anunciar la actuación del bailaor cuando la policía allanó su estudio y lo detuvo. A su salida de prisión, en 1971, decidió salir del país en dirección a Madrid.

Ya en España, firma los carteles de la brillante etapa de Gades al frente del Ballet Nacional y del espectáculo Carmen. Hace retratos de Camarón de la Isla, Paco de Lucía y numerosas portadas de discos y trabajos fotográficos para José Menese, Rafael Romero, El Lebrijano, Carmen Linares, José Mercé, Fosforito, Terremoto y los guitarristas: Niño Miguel, Enrique Melchor, Juan y Pepe Habichuela y Tomatito.

En este encuentro, los aficionados y profesionales de la fotografía nos reuniremos en torno a un punto de partida y un nexo en común: abordar el retrato como género fotográfico. Concretamente, lo que ocurre antes, durante y después de ese encuentro que se da entre el que observa y el que es observado.

Lo llamamos encuentro porque la idea sobre todo es estar en contacto con otras personas que quieran escuchar y participar en el tema que se plantea. También es una clase magistral, dado que se trata de crear un diálogo con los asistentes, abrir debate, aprender y discutir aspectos interesantes y poco transitados habitualmente en los "Talleres" de fotografía al uso, desmitificando ciertas cosas y aclarando otras. Finalmente, también es un taller donde se pondrán en práctica algunas de las ideas aprendidas.

David Sagasta (Évry - Francia, 1974) creció en Elche (Alicante) y, durante su vida escolar, no fue un buen estudiante, interesándome solo por la observación y el dibujo. Posteriormente, comenzó a trabajar y aprender el oficio hoy perdido de rotulista publicitario, pintando carteles a mano (labor a la que se dedicó durante 15 años).

En el transcurso de ese periodo y gracias a la gran pasión por la música, la lectura y el cine, será este el que le hace interesarse por la fotografía. En el año 1991 adquiere su primera cámara para más tarde ir descubriendo a los grandes clásicos de la fotografía, aprendiendo de manera autodidacta.

En 2010 un encuentro crucial con el cineasta y actor Carlos Iglesias hace que su carrera profesional vire hacia la fotografía de actores y actrices, y al mundo del cine y el teatro. En este sentido, ha realizado foto fija y de escena en “2 Francos, 40 pesetas” (Carlos Iglesias), “Karma” (Armando del Río), “Elefantes blancos” (Acoyani Guzmán), “Danny y Roberta” (Mariano de Paco), “Historias de la Radio” (Álvaro Sáenz de Heredia) o “Un universo solo” (María Prado y Fernando de Retes).

Desde hace algo más de 10 años reside en Madrid y vive de la fotografía.

Para el alumnado se recomienda ir con un cuaderno, que seguro que será muy útil para apuntar todas las ideas que se vayan tratando. No hay problema por llevar la cámara, pero hay que decir que este no es uno de esos "shootings" en los que los asistentes se arremolinan alrededor de un modelo con el fin de fotografiarle. Muy al contrario, la idea fundamental del encuentro es hablar de fotografía, y poner en común conocimientos y aprendizajes.

Calendario: Sábado, 24 de enero de 2026

Horario:   10 a 14 y 16 a 20 h

Precio:   45 €

Máximo de alumnos: 15

Inscripción aquí

Toda fotografía tiene algo de descubrimiento para quien elige el enfoque correcto al realizarla, y también algo de acercamiento para quien la observa una vez realizada. El fotógrafo nos acerca su impresión de una realidad observada. Cada mirada contiene un doble juego circular de visiones, comunicación-interpretación.

La mirada de Pepe Lamarca, tiene ya muchos años de trayectoria en los que, poco a poco, se fue creando una personalidad fotográfica. Es muy conocido en nuestro país por los retratos llenos de vida que fijaron en nuestro imaginario su quehacer artístico. Personajes icónicos del mundo de la cultura: el arte, la música, en especial el flamenco y el mundo de los gitanos por el que su mirada se apasionó.

Miro una y otra vez los retratos de Pepe Lamarca y le reconozco a él, su sencillez y su falta de artificios se transparenta en sus retratados, se implica con ellos, saca su vida y al tiempo les da una nueva vida que proyectaran para siempre. Es así, como sus fotografías, portadoras de cierta eternidad, perduran en el tiempo saltando a un nuevo género el de ser documento.

Lamarca venía de viajar con su cámara por otras latitudes, su Argentina natal, de donde ya traía muchas imágenes captadas con la emoción y el interés que le caracterizan. Es así como conoció y retrató a Janus Eichler. Estamos ante un acontecimiento fotográfico porque este proyecto que ahora se nos revela con Eichler nos transporta a un nuevo y desconocido mundo. Es retrato, es documento y es antropología.

En estas fotografías de Pepe Lamarca (Buenos Aires - Argentina, 1939) realizadas ya hace unos cuantos años, conocemos a Janus Eichler, (Polonia 1923, Buenos Aires 2002) una persona de aspecto apacible, simpático, con un bagaje vital duro. Deportado a Siberia, sufrió con su familia persecuciones, campos de concentración, maltratos y una agria lucha por la supervivencia. Salió de su país debido a la Segunda Guerra Mundial y después de su largo y muy duro periplo, en 1951 llega a Argentina, donde encuentra su lugar y desarrolla toda su trayectoria artística como pintor. En su otra faceta de ilustrador realizó trabajos para la editorial Codex sobre obras de Borges, El Quijote y las Tradiciones peruanas de Ricardo Palma.

Se establece en un barrio marginal porteño, El Dock Sud, apodado como “Los inundados darseneros”, en la desembocadura del Riachuelo al Río de la Plata. Un barrio muy deprimido, olvidado, donde la supervivencia y la miseria son protagonistas, al que ningún extraño se acerca con confianza. Allí, Eichler se interesa por sus gentes y sus formas de vida, convive con ellos, entre paisajes portuarios, con buques petroleros e industrias. Es difícil imaginar en este entorno una vida cotidiana.

Janos (Juan), se implica con sus vecinos, participa en sus características Murgas, y crean la “caravana de la alegría“, fue así como, en convivencia con ellos, Pepe Lamarca lo capta con su cámara.

Esta exposición tiene así una triple mirada: La del fotógrafo que convive con los retratados, la de darnos a conocer al artista Janos Eichler, y además la visión de la vida de un barrio que, entre las miserias, inventa la felicidad con sus disfraces, su expresividad y la música de sus murgas, con las herramientas que tiene.

Aquellas fotografías se transforman, nuevamente, en un interesante documento. Esta exposición es un viaje fotográfico que nos transporta a otros barrios lejanos donde los ciudadanos se ganan el derecho a habitar su ciudad, donde se crea vida. En entornos desprotegidos y olvidados, donde no parece posible que reine la fiesta y la alegría, Janos Eichler, un artista, emigrante polaco, con una experiencia de gran sufrimiento e incomprensión y obra pictórica muy hermosa, crea comunidad vecinal.

Es allí donde la mirada sensible de Pepe Lamarca disfruta también de esos momentos y los fija con su cámara. El sobresalto y el temblor del barrio Dock Sud (Buenos aires) con una madeja de duras experiencias luchas y avatares queda aquí reflejado en unos de sus momentos vitales festivos, tan necesarios para continuar habitando las ciudades.

Eva Ranea

***

Se trata, pues, de un trabajo de reportaje social que Pepe Lamarca quiso hacer en torno a Juan Eichler y su pequeña revolución con los jóvenes del barrio Dock Sud de Buenos Aires, a través de su iniciativa lúdica "Caravana de la Alegría". 15 imágenes para el recuerdo de tiempos que ya no volverán.

***

Pepe Lamarca (Buenos Aires - Argentina, 1939) inició su andadura profesional en los sesenta, realizando reportajes gráficos para los sindicatos sobre trabajos insalubres y documentando las condiciones de vida de los “golondrinas”, jornaleros que se desplazan, durante nueve meses al año con toda su familia, a las regiones ricas para sacar adelante las cosechas o trabajar tierras no explotadas por los terratenientes.

En esa época entabla relación profesional con el fotógrafo Humberto Rivas, retrata a numerosos escritores y artistas argentinos y conoce en la capital porteña a Paco de Lucía, Camarón y Antonio Gades. Estaba trabajando en las fotografías de los carteles que debían anunciar la actuación del bailaor cuando la policía allanó su estudio y lo detuvo. A su salida de prisión, en 1971, decidió salir del país en dirección a Madrid.

Ya en España, firma los carteles de la brillante etapa de Gades al frente del Ballet Nacional y del espectáculo Carmen. Hace retratos de Camarón de la Isla, Paco de Lucía y numerosas portadas de discos y trabajos fotográficos para José Menese, Rafael Romero, El Lebrijano, Carmen Linares, José Mercé, Fosforito, Terremoto y los guitarristas: Niño Miguel, Enrique Melchor, Juan y Pepe Habichuela y Tomatito.

Con dos años de actividad en el mercado, Artefacto se ha posicionado como un referente en el sector de imprentas de fotolibros y libros de arte en general. Daniel R. Camus y Ricky Dávila, fundadores del proyecto y ambos con varias décadas de trayectoria profesional a sus espaldas, compartirán con el público la experiencia de imprimir libros especializados en el mundo del arte. Explicarán también las colaboraciones realizadas durante este tiempo con más de un centenar de autores, museos e instituciones del ámbito de la fotografía y del arte, tanto dentro como fuera de España.

Ricky Dávila (Bilbao, 1964) es un fotógrafo y escritor español. Graduado en el ICP de Nueva York y tras dos décadas residiendo en Madrid, la fotografía de Dávila, abonada en los primeros años al reportaje y a los viajes, ha evolucionado con el tiempo hacia una mirada más melancólica y brumosa. Ha realizado numerosas exposiciones, tanto en el territorio nacional como en el extranjero y ha recibido varios galardones como el Ortega y Gasset 94, el Fotopress 95, el II World Press Photo o el Best American Picture. Después de dirigir durante diez años el Centro de Fotografía Contemporánea de Bilbao (CFC), en la actualidad es director de Artefacto, empresa dedicada a la producción de libros de arte.

Daniel R. Camus (Santander, 1983), nieto de tipógrafo, decidió graduarse en técnicas de preimpresión en el Instituto Emilio Campuzano de Bilbao. En 2003, comenzó nueva andadura laboral en la imprenta Grafilur, realizando trabajos de preimpresión, impresión, encuadernación, etc.,  adquiriendo conocimiento del proceso completo de la creación gráfica. En 2018 recala en Estudios Durero como director ejecutivo del Laboratorio para el Arte; allí gestionó la producción de un centenar de exposiciones para clientes del mundo del arte y la cultura a nivel nacional e internacional produciendo también libros dirigidos al mismo sector. En 2023 funda Artefacto de la mano de Ricky Dávila, desde donde en los últimos años se ha dado vida a más de  100 proyectos.

Esta colección de imágenes nace de lo que casi nunca se enseña. De las fotografías que no encajan en ningún proyecto, que no ilustran una historia concreta y que rara vez vuelvo a mirar. Son imágenes solitarias, perdidas en los contactos, huérfanas de contexto. Muchas veces no recuerdo cuándo, ni dónde las hice. No responden a una intención clara ni a una decisión técnica consciente. Aparecen como un gesto reflejo, un impulso ejecutado sin pensar. No fueron pensadas para gustar, ni para ser útiles, ni siquiera para perdurar. Y, sin embargo, aquí están.

Son fotografías que no forman parte de nada y, precisamente por eso, no le deben nada a nadie. No tienen dueño, ni encargo, ni explicación. Con el tiempo he entendido que en esa falta de control hay algo profundamente honesto. Estas imágenes funcionan como una grieta, una ventana abierta a un yo todavía por descubrir. Un espacio donde la mirada se adelanta al pensamiento y donde la cámara actúa antes de que aparezca el juicio. One Shot no es una búsqueda de respuestas, sino una aceptación de la duda. Un intento de reconciliarme con lo que fotografío cuando no sé por qué lo hago. Porque a veces, las imágenes que creemos olvidadas son las que más se parecen a nosotros.

Sergio Cuevas (Torrelavega, 1978) es un fotógrafo autodidacta cuya formación no ha seguido un camino académico, sino uno construido a base de mirar, fotografiar y volver a mirar. Creció visualmente tomando como referentes a los grandes fotógrafos clásicos, especialmente Garry Winogrand, Robert Doisneau, Henri Cartier-Bresson o Elliott Erwitt, autores que marcaron de forma decisiva su manera de entender la fotografía como un acto intuitivo, humano y profundamente ligado a la calle y a la vida cotidiana.

La mayor parte de su trayectoria profesional se ha desarrollado en el ámbito de la fotografía social. Durante años ha trabajado en bodas, familias y retratos, intentando siempre vestir este trabajo comercial con sus propios gustos e influencias, buscando una mirada documental, honesta y atemporal, donde la emoción y el gesto tengan más peso que la puesta en escena.

Paralelamente, ha mantenido una línea de trabajo más personal centrada en la fotografía de calle. Un espacio de libertad creativa en el que la cámara se convierte en una extensión de la mirada y el impulso manda sobre la técnica. En este contexto nace “Pasajeros de la luz”, un proyecto realizado entre 2013 y 2018, fotografiado en blanco y negro y en formato medio, que recoge escenas cotidianas y anónimas desde una aproximación íntima y silenciosa; una selección de este trabajo fue expuesta en París. Por su parte, “Más allá del lugar” fue un proyecto que representó un punto de madurez en su forma de mirar: imágenes sencillas, directas, sin artificio… donde la luz y el instante sostienen todo el peso narrativo.

Su trabajo, tanto comercial como personal, parte siempre de la misma premisa: observar sin intervenir, dejar que las cosas sucedan y confiar en que una sola imagen, tomada en el momento justo, pueda contener más verdad que cualquier explicación.

Este taller se plantea como una invitación a detenerse, a afinar la mirada y a explorar la fotografía como una forma de estar presente. No desde la construcción ni la puesta en escena, sino desde la disponibilidad para lo que aparece: un gesto, una textura, una vibración. Trabajaremos desde una práctica del retrato no construida, en el espacio tenue donde sucede el encuentro: un cruce breve entre una mirada que acoge y un cuerpo que se ofrece sin guion.

No buscamos definir identidades, sino acompañar apariciones. Atender a lo mínimo, a lo que no se exhibe pero se manifiesta. La cámara no interroga: escucha. Nos acercaremos a la fotografía como acto de presencia y como pausa, un lugar donde lo extraordinario no está en lo espectacular, sino en lo común visto con claridad. Cada imagen será una pregunta, no una afirmación. Una forma de mirar sin imponer, de estar sin interferir, de acoger lo efímero como parte de la experiencia fotográfica.

Josu Zaldibar Hierro (Bilbao, 1965) es fotógrafo, docente y director de la Escuela de Fotografía Blackkamera. Su trabajo gira en torno al retrato como forma de presencia: una práctica basada en la atención, la cercanía y la escucha. No busca representar identidades, sino dar lugar a lo que aparece en el instante de encuentro entre la mirada y el cuerpo que se ofrece. Le interesa, por tanto, lo que se revela sin imponerse: una textura, un gesto mínimo, una vibración emocional.

Su fotografía trabaja en ese espacio liminal entre el control y la entrega, entre la conciencia y el instante que simplemente sucede. En su obra, el retrato no captura, sino que acoge. No explica, sino que deja espacio para la pregunta. La imagen se convierte así en una suspensión mínima, un eco silencioso del instante compartido.

Es director del Basque Dok Festival, un encuentro internacional dedicado a la reflexión y exhibición de la fotografía contemporánea, y de Kulturbegi, una plataforma de mediación cultural que impulsa proyectos educativos, artísticos y sociales vinculados a la imagen.

Ha impartido talleres, conferencias y procesos de acompañamiento a fotógrafos y fotógrafas en formación, desde una pedagogía que entiende la fotografía como forma de pensamiento y como acto ético.

Recomendaciones para el alumnado (no es imprescindible tener todo): Para la práctica será recomendable llevar un flash externo y, si se tiene, un emisor. Se recomiendan ópticas entre los 50 y los 105 mm.

Calendario: Sábado, 28 de febrero de 2026

Horario:   10 a 14 y 16 a 20 h

Precio:   45 €

Máximo de alumnos: 15

Inscripción aquí

Toda fotografía tiene algo de descubrimiento para quien elige el enfoque correcto al realizarla, y también algo de acercamiento para quien la observa una vez realizada. El fotógrafo nos acerca su impresión de una realidad observada. Cada mirada contiene un doble juego circular de visiones, comunicación-interpretación.

La mirada de Pepe Lamarca, tiene ya muchos años de trayectoria en los que, poco a poco, se fue creando una personalidad fotográfica. Es muy conocido en nuestro país por los retratos llenos de vida que fijaron en nuestro imaginario su quehacer artístico. Personajes icónicos del mundo de la cultura: el arte, la música, en especial el flamenco y el mundo de los gitanos por el que su mirada se apasionó.

Miro una y otra vez los retratos de Pepe Lamarca y le reconozco a él, su sencillez y su falta de artificios se transparenta en sus retratados, se implica con ellos, saca su vida y al tiempo les da una nueva vida que proyectaran para siempre. Es así, como sus fotografías, portadoras de cierta eternidad, perduran en el tiempo saltando a un nuevo género el de ser documento.

Lamarca venía de viajar con su cámara por otras latitudes, su Argentina natal, de donde ya traía muchas imágenes captadas con la emoción y el interés que le caracterizan. Es así como conoció y retrató a Janus Eichler. Estamos ante un acontecimiento fotográfico porque este proyecto que ahora se nos revela con Eichler nos transporta a un nuevo y desconocido mundo. Es retrato, es documento y es antropología.

En estas fotografías de Pepe Lamarca (Buenos Aires - Argentina, 1939) realizadas ya hace unos cuantos años, conocemos a Janus Eichler, (Polonia 1923, Buenos Aires 2002) una persona de aspecto apacible, simpático, con un bagaje vital duro. Deportado a Siberia, sufrió con su familia persecuciones, campos de concentración, maltratos y una agria lucha por la supervivencia. Salió de su país debido a la Segunda Guerra Mundial y después de su largo y muy duro periplo, en 1951 llega a Argentina, donde encuentra su lugar y desarrolla toda su trayectoria artística como pintor. En su otra faceta de ilustrador realizó trabajos para la editorial Codex sobre obras de Borges, El Quijote y las Tradiciones peruanas de Ricardo Palma.

Se establece en un barrio marginal porteño, El Dock Sud, apodado como “Los inundados darseneros”, en la desembocadura del Riachuelo al Río de la Plata. Un barrio muy deprimido, olvidado, donde la supervivencia y la miseria son protagonistas, al que ningún extraño se acerca con confianza. Allí, Eichler se interesa por sus gentes y sus formas de vida, convive con ellos, entre paisajes portuarios, con buques petroleros e industrias. Es difícil imaginar en este entorno una vida cotidiana.

Janos (Juan), se implica con sus vecinos, participa en sus características Murgas, y crean la “caravana de la alegría“, fue así como, en convivencia con ellos, Pepe Lamarca lo capta con su cámara.

Esta exposición tiene así una triple mirada: La del fotógrafo que convive con los retratados, la de darnos a conocer al artista Janos Eichler, y además la visión de la vida de un barrio que, entre las miserias, inventa la felicidad con sus disfraces, su expresividad y la música de sus murgas, con las herramientas que tiene.

Aquellas fotografías se transforman, nuevamente, en un interesante documento. Esta exposición es un viaje fotográfico que nos transporta a otros barrios lejanos donde los ciudadanos se ganan el derecho a habitar su ciudad, donde se crea vida. En entornos desprotegidos y olvidados, donde no parece posible que reine la fiesta y la alegría, Janos Eichler, un artista, emigrante polaco, con una experiencia de gran sufrimiento e incomprensión y obra pictórica muy hermosa, crea comunidad vecinal.

Es allí donde la mirada sensible de Pepe Lamarca disfruta también de esos momentos y los fija con su cámara. El sobresalto y el temblor del barrio Dock Sud (Buenos aires) con una madeja de duras experiencias luchas y avatares queda aquí reflejado en unos de sus momentos vitales festivos, tan necesarios para continuar habitando las ciudades.

Eva Ranea

***

Se trata, pues, de un trabajo de reportaje social que Pepe Lamarca quiso hacer en torno a Juan Eichler y su pequeña revolución con los jóvenes del barrio Dock Sud de Buenos Aires, a través de su iniciativa lúdica "Caravana de la Alegría". 15 imágenes para el recuerdo de tiempos que ya no volverán.

***

Pepe Lamarca (Buenos Aires - Argentina, 1939) inició su andadura profesional en los sesenta, realizando reportajes gráficos para los sindicatos sobre trabajos insalubres y documentando las condiciones de vida de los “golondrinas”, jornaleros que se desplazan, durante nueve meses al año con toda su familia, a las regiones ricas para sacar adelante las cosechas o trabajar tierras no explotadas por los terratenientes.

En esa época entabla relación profesional con el fotógrafo Humberto Rivas, retrata a numerosos escritores y artistas argentinos y conoce en la capital porteña a Paco de Lucía, Camarón y Antonio Gades. Estaba trabajando en las fotografías de los carteles que debían anunciar la actuación del bailaor cuando la policía allanó su estudio y lo detuvo. A su salida de prisión, en 1971, decidió salir del país en dirección a Madrid.

Ya en España, firma los carteles de la brillante etapa de Gades al frente del Ballet Nacional y del espectáculo Carmen. Hace retratos de Camarón de la Isla, Paco de Lucía y numerosas portadas de discos y trabajos fotográficos para José Menese, Rafael Romero, El Lebrijano, Carmen Linares, José Mercé, Fosforito, Terremoto y los guitarristas: Niño Miguel, Enrique Melchor, Juan y Pepe Habichuela y Tomatito.

Este taller propone crear un clima de reflexión compartida sobre nuestra relación con la fotografía y sobre los motivos -conscientes o no- que nos llevan a fotografiar. A partir de preguntas esenciales, el objetivo será generar respuestas íntimas que ayuden a cada participante a entender mejor su propia práctica y a canalizar su trabajo de una manera más coherente y honesta.

A lo largo del mismo, Txema Salvans presentará su trayectoria y sus proyectos, poniendo el foco especialmente en el fotolibro como forma final de la obra. Se analizarán en detalle todos los procesos implicados -conceptuales, metodológicos, editoriales y de diseño- que intervienen en la transformación de un conjunto de imágenes en un libro: desde la idea inicial hasta el objeto final. El taller no busca ofrecer recetas, sino herramientas de pensamiento y de mirada que permitan a los participantes cuestionar, afinar y profundizar en su propio trabajo.

Txema Salvans (Barcelona, 1971) es un fotógrafo catalán que durante las dos últimas décadas ha desarrollado un enfoque documentalista y artístico -incluido el ensayo fotográfico- al margen de las plataformas habituales de fotoperiodismo. Joan Fontcuberta ha descrito su trabajo como un “equilibrio entre el pensamiento crítico y el sentido del humor poético”.

Su libro “Nice To Meet You” (2005) recibió el premio PHotoESPAÑA al mejor fotolibro. “The Waiting Game” (2014) explora la necesidad del deseo y la prostitución a lo largo del litoral mediterráneo de España y fue galardonado como el mejor fotolibro Iberoamericano. La editorial RM también ha publicado “The Waitinig Game 2 y 3”.

“My Kingdom” y “Perfect Day” han sido publicados por la prestigiosa editorial inglesa MACK en 2018 y 2020 respectivamente. Recientemente, ha publicado “Sunday Morning”, un proyecto que recoge las visitas realizadas durante diez años, todos los domingos, al parking del Carrefour.

El trabajo de Txema Salvans ha sido publicado por los principales medios internacionales como Le Monde, Suddeustsche Zeitung Magazine, Stern, New York Times, Welt der Frau, NZZ, Liberation, Monocle, Colors, Big Mag, Vice, Marie Claire, GQ Francia, Elephen, Britsh Journal of Photography, Wallpaper, ID Magazine, Matador y El País Semanal.

Ha expuesto su obra en el Centre D'Art Contemporani Arts Santa Mònica, Museum of Contemporary Art Hamburg, Museum fur Photographie Braunschweig, Museo de Arte Contemporáneo Reina Sofía, Museo Universidad de Navarra, Fundación Fotocolectania y Fundación Vila Casas, entre otros.

Calendario:

Viernes, 6 de marzo de 2026: de 18 a 20 h

Sábado, 7 de marzo de 2026: de 10 a 14 y de 16 a 20 h

Domingo, 8 de marzo de 2026: de 10 a 14 h

Precio: 90 €

Máximo de alumnos: 10

Inscripción aquí

Esta charla propone, partiendo del trabajo pionero de la bióloga y botánica Anna Atkins, un recorrido por la historia de la técnica de copia fotográfica de la cianotipia. Este antiguo procedimiento fotográfico monocromo permite obtener copias en un característico azul de Prusia.

La propuesta busca acercar al público la figura de Anna Atkins haciendo un reconocimiento de su trabajo y mostrando la evolución desde el siglo XIX hasta la actualidad de la técnica de los cianotipos. La artista Tamara García presentará algunos de sus proyectos en los que utiliza la cianotipia sobre distintos soportes y que servirán para explicar su proceso creativo a través de este medio. Durante la sesión se mostrarán obras de diferentes artistas de los siglos XX y XXI que han trabajado con esta técnica.

Tamara García (Santander, 1980) es una artista multidisciplinar cuya obra investiga el tejido de nuestras relaciones sociales, políticas y culturales. Su trabajo reflexiona sobre cómo estos vínculos se moldean a través de normas no escritas, costumbres y tradiciones, cuestionando las estructuras que rigen lo público y lo privado, lo institucional y lo íntimo, lo considerado alta o baja cultura. A través del arte visual, el vídeo, la performance o la instalación, explora cómo habitamos el espacio y nos adaptamos a las imposiciones geopolíticas contemporáneas.

Licenciada en Bellas Artes y Diplomada en Restauración de Obras de Arte, ha ampliado su formación con becas en la Berkeley Academy (California), en el CECRA de las Azores y en distintas residencias artísticas.

Ha participado en proyectos internacionales como Points of Return (Nueva York y Massachusetts), en la Feria JUSTMAD, en PROYECTOR (Madrid), en festivales como FIM, BAD o Sestao Photo (Bilbao), Desvelarte, Hágase la Luz, y el Festival Internacional de Mapping y Artes Visuales El Puerto Encantado (Santander), entre otros.

Desde 2020 es directora y programadora del Centro Cultural Eureka en Santander. En 2025 ha puesto en marcha el Encuentro de música electrónica experimental, cuerpo y visuales Frecuencia Oblicua. Forma parte de los colectivos GG, Söon i Noki y LA UCA, desde donde investiga las artes visuales en diálogo con la música electrónica experimental avanzada.

Vivian Maier (Estados Unidos, 1926-2009) fue una fotógrafa estadounidense cuya obra -centrada en la vida cotidiana y el ambiente de la calle- permaneció inédita hasta después de su muerte.

Hija de la francesa Maria Jaussaud y el austriaco Charles Maier, Vivian nació en Nueva York, aunque pasó gran parte de su juventud en Francia. Hacia 1930, su padre abandonó la familia. En 1951, cuando tenía 25 años, se mudó a Nueva York y empezó a trabajar como niñera, trabajo al que se dedicó el resto de su carrera profesional. Al año siguiente, en 1952, adquirió su célebre cámara Rolleiflex.

En 1956 se trasladó a Chicago, donde la familia para la que trabajaba le permitió tener un pequeño cuarto de baño junto a su habitación que Maier utilizaba como cuarto oscuro para revelar algunas de sus fotografías. Sin embargo, a medida que los niños crecían y tenía que cambiar de familia, se veía abocada a dejar sin revelar carretes que poco a poco se iban acumulando. En esta época comenzó también a tomar fotografías en color, utilizando carretes Kodak y distintos tipos de cámaras réflex.

Entre los temas recurrentes que fotografía, la calle como escenario jugaba un papel fundamental, también los niños y las gentes de clases sociales desfavorecidas.

Las claves de la fotografía de Vivian Maier son su observación profunda de la vida cotidiana en la calle, sus autorretratos ingeniosos usando reflejos, una composición cuidada y una habilidad única para capturar el alma humana.

Horario: Jueves , 19 de marzo de 2026: 19 h

Precio: gratuito con inscripción obligatoria

Máximo de asistentes: 15

Inscripción aquí

Su familia y su historia han moldeado la forma en que observa el mundo. La importancia de su gente, los gestos, los recuerdos y los espacios cotidianos fueron sus primeros escenarios. Su trabajo nace de lo cercano: de las historias que encuentra en casa, de lo que tiene a mano, en sus sueños y en quienes le han acompañado. Lo evocativo, lo que vuelve sin ser llamado, lo que reclama memoria, suele ser el punto de partida.

Referentes como Sally Mann le enseñaron que lo íntimo puede ser tan vasto como cualquier paisaje exótico. Y Duane Michals le abrió la puerta para contar historias con imágenes, confiar en que la emoción también es narrativa; de él nació también su necesidad de escribir.

En esta charla María De Las Casas nos hablará de cómo mira, por qué mira así y qué significa trabajar desde el propio territorio. ¿Qué busca al levantar la cámara?, ¿qué desea convocar?

En ese diálogo íntimo entre lo que ve y lo que recuerda surge la imagen que le habita.

Una imagen que no aparece por azar, sino en el cruce entre experiencia y memoria: un lugar donde lo cotidiano se revela y donde fotografiar es una forma de recordar y de enfrentarse al mundo.

María De Las Casas (Caracas - Venezuela, 1965) es una fotógrafa con más de 30 años de trayectoria, asentada en Santander desde 2014. Licenciada en Bellas Artes por el College of Santa Fe (Nuevo México, Estados Unidos), ha desarrollado una obra íntima y evocadora, centrada en la memoria, el territorio personal y la observación de lo cotidiano.

En Cantabria ha realizado exposiciones individuales en instituciones como la Fundación Bruno Alonso, el Centro Nacional de Fotografía, La Caverna de la Luz, y el Centro Cultural La Vidriera. También ha participado en varias muestras colectivas, incluyendo varias ediciones de PHotoESPAÑA.

Su experiencia profesional abarca docencia universitaria, formación artística para niños y adultos y gestión de imagen y comunicación. Cofundadora del Club de Fotografía La Solana, ha sido además vicepresidenta de Espacio Imagen y ha ocupado cargos de liderazgo en Toastmasters International, donde ha obtenido varios premios de oratoria. En su labor docente y creativa destaca la transmisión de una mirada propia, alimentada por una vida de viajes, mudanzas y la exploración de la memoria a través de la imagen.