Esta muestra recorre la primera etapa de la obra de Manzano, cuando él se reconoce como “autor” y se da cuenta de las razones que le mueven a coger la cámara y los motivos por los que enfoca a sus personajes.

Es una muestra de las fotos semilla que han sido el motor de toda una vida detrás de una cámara.

Antonio Manzano (Valladolid, 1949) nació en una familia de fotógrafos; desde niño se apodero de él la magia de la fotografía y su vida siempre ha estado ligada a la imagen. Ha complementado su trabajo de cámara de televisión con su gran pasión: la fotografía.

Ha sido galardonado en numerosos concursos fotográficos, entre ellos el primer premio “Caminos de Hierro 2011”.

La exposición permanecerá durante todo un cuatrimestre y podrá visitarse de lunes a viernes de 18 a 20h. (festivos cerrados).

Pedro Palazuelos, que fue maestro en la escuela rural de Bielva, contará cómo comenzó a hacer fotografías junto a sus alumnos para documentar el trabajo escolar. Aunque su objetivo inicial era registrar las actividades académicas, la fotografía pronto se convirtió en una actividad llena de diversión y creatividad.

Aquella experiencia marcó la vida de Pedro y lo llevó a dedicarse profesionalmente a la fotografía. Tanto en su etapa como maestro como en su carrera detrás de la cámara, los niños han estado siempre presentes. En esta charla, compartirá recuerdos e imágenes que capturan la esencia de la infancia y su vida cotidiana.

Pedro Palazuelos (Limpias - Cantabria, 1951) es un fotógrafo de reconocido prestigio. Ha realizado numerosos trabajos, tanto para prensa escrita (Agencia EFE, Grupo Zeta, El País, El Mundo, National Geographic Viajes, ¡Hola! o Cambio 16) como para instituciones y empresas privadas, así como multitud de proyectos personales. Profesor de fotografía del ICE de la Universidad de Cantabria y en el Vicerrectorado de Extensión Universitaria (1982-87), mantuvo abierta durante varias décadas la tienda Zoom, que contó, en la ubicación de la calle Juan de Herrera, con galería de fotografía donde expusieron un gran número de autores.

María De Las Casas (Caracas - Venezuela, 1965) es licenciada en Bellas Artes por el College of Santa Fe,  Estados Unidos. Asentada en Santander desde 2014, lleva más de 30 años dedicada a la fotografía realizando trabajos personales, reportajes familiares, etc. También le gusta enseñar y en sus talleres trata de transmitir su pasión por la fotografía y la importancia de desarrollar una mirada propia. Ha vivido en muchos sitios; en todos ha dejado amigos y se he llevado experiencias. Las mudanzas le enseñaron a desprenderse, el budismo a entenderlo, la meditación a mantener la cordura y la fotografía a hilar sus recuerdos.

Esta muestra recorre la primera etapa de la obra de Manzano, cuando él se reconoce como “autor” y se da cuenta de las razones que le mueven a coger la cámara y los motivos por los que enfoca a sus personajes.

Es una muestra de las fotos semilla que han sido el motor de toda una vida detrás de una cámara.

Antonio Manzano (Valladolid, 1949) nació en una familia de fotógrafos; desde niño se apodero de él la magia de la fotografía y su vida siempre ha estado ligada a la imagen. Ha complementado su trabajo de cámara de televisión con su gran pasión: la fotografía.

Ha sido galardonado en numerosos concursos fotográficos, entre ellos el primer premio “Caminos de Hierro 2011”.

La exposición permanecerá durante todo un cuatrimestre y podrá visitarse de lunes a viernes de 18 a 20h. (festivos cerrados).

Este taller de fotografía pretende ofrecer un conocimiento teórico de la representación del paisaje documental a lo largo de la historia. A la vez, proporcionará un conocimiento práctico del uso de las cámaras de medio y de gran formato, que están dando un tempo nuevo a la fotografía documental. La interpretación de los lugares y espacios a través de estos formatos hace que se establezca una reflexión más pausada y profunda en el conocimiento del entorno. Simultáneamente, veremos cómo se trabaja con estos formatos analógicos y también con el vídeo. La fusión de formatos tan diferentes está creando una nueva, insólita y fascinante forma de aproximación a los proyectos.

Objetivos

• Conocimiento teórico de la representación del paisaje documental.
• Conocimiento práctico del uso de las cámaras analógicas de placas y formato medio.
• Elaboración de proyectos personales de largo recorrido.
• Elaboración de proyectos multimedia.

Contenidos

• Introducción al paisaje documental en la historia de la fotografía.
• Conocimiento de diversos autores que han utilizado la cámara técnica y de formato medio en la fotografía documental a lo largo de la historia del arte.
• Concepción y desarrollo de proyectos fotográficos y audiovisuales de índole documental a largo plazo.
• Desarrollo teórico y práctico del uso de las cámaras de gran formato (placas 4×5”) y formato medio (cada alumno disparará como mínimo una placa de 4x5” y se le entregará un escaneado en alta resolución -escáner Hasselblad/Imacon- de cada una de ellas).

Requisitos

Cámara digital con varias ópticas, trípode y cámara de formato medio analógica (si se dispone de ella).

El docente

Eduardo Nave (Valencia, 1976) es Técnico Superior de Artes Plásticas y Diseño en Fotografía por la Escola d’Art i Superior de Disseny de Valencia. En 2005 funda, junto a otros 13 artistas, el colectivo de fotografía contemporánea NOPHOTO. Desde 2001 es colaborador habitual para medios editoriales nacionales e internacionales y su trabajo es representado por la Galería Daniel Cuevas (Madrid) y la Galería Juan Silió (Santander).

En sus series, el autor explora la identidad del paisaje marcado por un hecho trágico. Se asoma a aquellos lugares que han sido testimonio de un acontecimiento dramático y busca la cicatriz escondida. El silencio aparece como una constante, no solo desde un punto de vista estético sino también como una actitud. Un estado de calma se apodera del acto fotográfico, devolviendo una imagen pausada y serena como si nada hubiera ocurrido.

Ha recibido varios premios y becas por sus trabajos entre los que destacan la beca del Colegio de España en París, la beca de artes plásticas de la Fundación Marcelino Botín, la beca de artes plásticas de la Casa de Velázquez, la beca de artes plásticas Colección CAM, la beca FOTOPRES de la Caixa, el premio Autores en Selección de Fotonoviembre, el Fujifilm Euro Press Photo Awards, el premio Photographica 2010 de la feria de Estampa, las ayudas a Creación Visual de VEGAP, el tercer premio de la XI edición del Premio de Fotografía Fundación ENAIRE, el premio al mejor libro del año en PhotoEspaña 2018, el premio Life Framer 2021 en la categoría “Night Life” y la nominación al Premio Leica Oskar Barnack 2023.

Ha realizado una infinidad de exposiciones individuales y colectivas entra las que destacan: Encuentros Internacionales de Fotografía de Arles (Francia), Macuf (A Coruña), Instituto Cervantes (París), PHotoEspaña (Madrid), Bienal Internacional de Fotografía de Tenerife, Kursaal (San Sebastián), Conde Duque (Madrid), Centro Andaluz de Fotografía, Centro Cultural de España en Lima, Bienal de Alejandría y en ferias de arte contemporáneo como; ARCO, DFOTO, Maco (México), ParisPhoto, PhotoLondon, CIGE (Beijing), KIAF (Korea), Preview Berlin o Next Art Fair Chicago.

Ha publicado, además, los siguientes libros: A la hora en el lugar (2013, Phree), LIKE (2017, Ediciones Anómalas), Normandie (2021, La Fábrica) y Las cuatro estaciones del volcán Tajogaite en ochenta y cinco vistas (2022, Ediciones Remotas y La Fábrica).

Calendario:

Viernes, 7 de febrero: de 18 a 20 h

Sábado, 8 de febrero: de 10 a 14 y de 16 a 20 h

Domingo, 9 de febrero: de 10 a 14 h

Precio: 60 €

Máximo de alumnos: 10

Inscripción aquí

Ahora ya sabemos cómo la Razón acaba con las barricadas. Hoy todo son avenidas, bulevares, autopistas. La revuelta y la Comuna han muerto porque no hay lugar para las callejuelas. Salvo, quizá, en la mirada de la ruina, en el crédito que ciertas imágenes conceden al deterioro. Construir un discurso no sobre lo firme, lo liso, lo vinculante, sino sobre lo movedizo, lo áspero, lo excluyente. No son sólo los restos del derrumbe, sino también los materiales primigenios de trabajo, los pilares sobre los que erigir la construcción, por endeble que pueda parecer. Esta manipulación a menudo penosa, este convertir el escombro en documento, la escoria en archivo, obliga a reconsiderar las antiguas, soberanas palabras destinadas a la obra de arte.

Ricardo Menéndez Salmón

Las estrellas heladas que dan título a esta serie se refieren a los astros que observamos en el cuerpo celeste, sin capacidad para distinguir cuáles están vivos y cuáles han dejado de existir. Del mismo modo, en los retratos advertimos la luz que sus miradas emitieron en un momento concreto.

En palabras de David Ferrando la obra de Javier Bejarano "nos sitúa ante una realidad espectral, inmaterial, vinculada al tiempo, a la cultura y a la memoria. A esa intersección entre la existencia individual y el transcurrir de la historia, entre lo fugaz y lo que permanece, entre la vida y la imagen".

Javier Bejarano Corchado (Madrid, 1980) cursó sus estudios fotográficos en el Instituto Luis Buñuel, iniciando su andadura fotográfica en 1995. En 2001, conjuntamente con otros cinco fotógrafos, forma el colectivo Labiche, que durante ocho años organizó exposiciones, conferencias y talleres fotográficos en su sede madrileña, Spazio Labiche.

También en 2001 comienza su trayecto expositivo, que se ha desarrollado ininterrumpidamente hasta nuestros días. Ha participado en diferentes exposiciones en lugares tan diversos como Cité Universitaire (París), Festival Kunstbunker (Croacia), Afordable Art Fair (Londres), Madrid Foto, Estampa o PHotoEspaña.

En 2018 recibe la beca "Master de fotografía de autor” del Centro de Fotografía Contemporánea de Bilbao.

Paralelamente a su carrera fotográfica, desarrolla otra musical junto a la pianista Verónica R. Galán, bajo el seudónimo de Galgo. Se trata de un proyecto instrumental de vocación abstracta en el que cohabitan de una manera natural, el ambiente orgánico y las bandas sonoras. A su vez, es integrante activo de la banda Fee Reega y comparte el proyecto audiovisual Monochrome con el productor Oscar Mulero. Ha sido codirector del Encuentro Audiovisual Trendelenburg de Gijón en sus tres primeras ediciones, comisario para Laboral Centro de arte y Creación Industrial y coordinador del proyecto artístico Métete en Jardines.

A finales del 2022 autoeditó su segundo fotolibro “Antiguas Estrellas Heladas”, que fue elegido por la plataforma Photo Art Books como uno de los 20 mejores fotolibros internacionales del año. En la actualidad, codirige el sello discográfico Framily y el Mirror Festival.

La exposición permanecerá durante todo un cuatrimestre y podrá visitarse de lunes a viernes de 18 a 20h. (festivos cerrados).

En este encuentro, José Ferrero y Nicolás Cancio repasarán el panorama expositivo de Asturias, haciendo hincapié en algunas exposiciones colectivas recientes. También nos hablarán sobre la enseñanza de la fotografía en la región y los distintos espacios de reunión en torno a la fotografía.

José Ferrero (Villarejo de Órbigo – León,1959) es un fotógrafo de formación autodidacta. Se inicia en la fotografía en 1982, realizando incursiones en diversas facetas artísticas: grabado, pintura, cine, vídeo, teatro o cerámica.

Ha sido profesor de Fotografía y técnicas de reproducción en la Escuela de Arte de Oviedo (1990-2002) y en la Escuela Superior de Arte de Asturias (Avilés, 2003-2019).

Entre 2017 y 2019 ha sido comisario de las exposiciones de fotografía del Centro Internacional Niemeyer, en Avilés: Javier Bauluz, Masao Yamamoto, Gilbert Garcin, Arno Rafael Minkkinen, Franco Fontana, Begoña Zubero, etc.)

Desde su primera individual, en 1985, han sido muy numerosas las exposiciones internacionales en las que su obra ha sido presentada, tanto individual como colectivamente: Milán, Brescia, París, Lieja, Mérida (México), Rennes, Eindhoven, Köln, la University of Wisconsin‑Eau Claire. Diversos espacios institucionales y galerías nacionales, junto a la Feria Internacional de Arte Contemporáneo ARCO (Madrid) o MIA (Milán) forman parte de su amplio itinerario expositivo.

Nicolás Cancio (Tuilla – Asturias, 1984) trabaja en el espacio de encuentro entre la fotografía creativa y la documental, a la búsqueda de imágenes poéticas y reflexivas en el paisaje. También está muy centrado en el estudio de la teoría de la imagen fotográfica, así como de su historia, lo que le sirve de base para su faceta de docente y conferenciante.

Codirector y docente en el Aula de Fotografía de la Universidad de Oviedo, realiza comisariados de exposiciones de fotografía en el campo de la gestión cultural, poniendo énfasis en la búsqueda de una visión colectiva y un diálogo intergeneracional entre los diferentes creadores.

Resumen de contenidos

Nos iniciaremos en el apasionante universo de construir imágenes, conocer los parámetros con los que nuestras fotografías funcionan mejor y aprender a leerlas (las nuestras y las de otros).

Se trata, por tanto, de un taller de percepción visual y manejo de la cámara con el fin de introducirse en la práctica fotográfica contemporánea. Aprenderemos a usar la cámara para situarnos frente al mundo y opinar sobre él.

A lo largo del curso se plantearán una serie de ejercicios y prácticas con el fin de obtener una colección de imágenes que se expondrán en Casyc Up en el mes de julio de 2025.

Requisitos

Cámara de fotos y muchas ganas de aprender a mirar.

Temario

1. La cámara
2. Los objetivos
3. La composición
4. La luz
5. La exposición
6. Ver-Mirar-Ver

El docente

Raúl Lucio (Reinosa - Cantabria, 1967) es licenciado en Geografía e Historia (Universidad de Salamanca, 1990),  máster en Diseño Digital (ESNE - Estudios Superiores Internacionales - Madrid,  2007) y diplomado en Fotografía Artística Contemporánea (Node Center - Berlín, 2016).

Arqueólogo de formación, desarrolla proyectos personales relacionados con la imagen (fotografía y vídeo) y orientados a la reflexión sobre el paisaje, el retrato y la relación de ambos con la memoria, el recuerdo y el olvido. Ha colaborado de forma habitual en los proyectos realizados por el fotógrafo cántabro Pablo Hojas: Polientes Foto, Talleres UIMP, exposiciones colectivas, etc.

En los últimos años ha realizado diversos talleres con una larga nómina de fotógrafos españoles: Toni Amengual, Carlos de Andrés, José Manuel Ballester, Bleda y Rosa, Francesco Careri, Matías Costa, Juan Manuel Díaz Burgos, Joan Fontcuberta, Alberto García-Alix, Cristina García Rodero, Pierre Gonnord, Ciuco Gutiérrez, David Jiménez, Álvaro Laiz, Ouka Leele, Jesús Micó, Óscar Molina, Eduardo Momeñe, Isabel Muñoz, Sofía Moro, José Manuel Navia, Eugenio Recuenco, Xavier Ribas, Javier Salas o Jordi Socías.

Desde 2011 trabaja como fotoperiodista en la Oficina de Comunicación del Gobierno de Cantabria.

Calendario: 6 sesiones de 2 horas cada una los días 24 y 25 de febrero; 3, 4, 10 y 11 de marzo de 2025 (lunes y martes)

Horario:   18 – 20 h

Precio:   60 €

Máximo de alumnos: 10

Inscripción aquí

En este encuentro Bruno Ochaita repasará, de forma retrospectiva, su obra fotográfica, centrándose en la idea de “mirar” como ejercicio transformador. A través de sus imágenes, se hablará de cómo el hecho de escoger unos motivos y mostrarlos de una manera determinada, hace que hasta el entorno más cercano pueda reinterpretarse y convertirse en una realidad diferente.

Bruno Ochaita (Santander, 1980) se licenció en la Facultad de Bellas Artes de Cuenca (UCLM) y realizó cursos de Doctorado de “Imagen, diseño y nuevas tecnologías” en la Universidad Complutense de Madrid. Actualmente, es director creativo en Mutta estudio, empresa de la que es cofundador. Ha participado en numerosas muestras nacionales y le interesa la fotografía artística, el underground y el diseño conceptual.

Ahora ya sabemos cómo la Razón acaba con las barricadas. Hoy todo son avenidas, bulevares, autopistas. La revuelta y la Comuna han muerto porque no hay lugar para las callejuelas. Salvo, quizá, en la mirada de la ruina, en el crédito que ciertas imágenes conceden al deterioro. Construir un discurso no sobre lo firme, lo liso, lo vinculante, sino sobre lo movedizo, lo áspero, lo excluyente. No son sólo los restos del derrumbe, sino también los materiales primigenios de trabajo, los pilares sobre los que erigir la construcción, por endeble que pueda parecer. Esta manipulación a menudo penosa, este convertir el escombro en documento, la escoria en archivo, obliga a reconsiderar las antiguas, soberanas palabras destinadas a la obra de arte.

Ricardo Menéndez Salmón

Las estrellas heladas que dan título a esta serie se refieren a los astros que observamos en el cuerpo celeste, sin capacidad para distinguir cuáles están vivos y cuáles han dejado de existir. Del mismo modo, en los retratos advertimos la luz que sus miradas emitieron en un momento concreto.

En palabras de David Ferrando la obra de Javier Bejarano "nos sitúa ante una realidad espectral, inmaterial, vinculada al tiempo, a la cultura y a la memoria. A esa intersección entre la existencia individual y el transcurrir de la historia, entre lo fugaz y lo que permanece, entre la vida y la imagen".

Javier Bejarano Corchado (Madrid, 1980) cursó sus estudios fotográficos en el Instituto Luis Buñuel, iniciando su andadura fotográfica en 1995. En 2001, conjuntamente con otros cinco fotógrafos, forma el colectivo Labiche, que durante ocho años organizó exposiciones, conferencias y talleres fotográficos en su sede madrileña, Spazio Labiche.

También en 2001 comienza su trayecto expositivo, que se ha desarrollado ininterrumpidamente hasta nuestros días. Ha participado en diferentes exposiciones en lugares tan diversos como Cité Universitaire (París), Festival Kunstbunker (Croacia), Afordable Art Fair (Londres), Madrid Foto, Estampa o PHotoEspaña.

En 2018 recibe la beca "Master de fotografía de autor” del Centro de Fotografía Contemporánea de Bilbao.

Paralelamente a su carrera fotográfica, desarrolla otra musical junto a la pianista Verónica R. Galán, bajo el seudónimo de Galgo. Se trata de un proyecto instrumental de vocación abstracta en el que cohabitan de una manera natural, el ambiente orgánico y las bandas sonoras. A su vez, es integrante activo de la banda Fee Reega y comparte el proyecto audiovisual Monochrome con el productor Oscar Mulero. Ha sido codirector del Encuentro Audiovisual Trendelenburg de Gijón en sus tres primeras ediciones, comisario para Laboral Centro de arte y Creación Industrial y coordinador del proyecto artístico Métete en Jardines.

A finales del 2022 autoeditó su segundo fotolibro “Antiguas Estrellas Heladas”, que fue elegido por la plataforma Photo Art Books como uno de los 20 mejores fotolibros internacionales del año. En la actualidad, codirige el sello discográfico Framily y el Mirror Festival.

La exposición permanecerá durante todo un cuatrimestre y podrá visitarse de lunes a viernes de 18 a 20h. (festivos cerrados).

La charla titulada “Fotógrafas, espíritus y otras visiones de lo invisible” constituye una investigación sobre la fotografía como vía de acceso a lo invisible practicada por mujeres que estuvieron profundamente vinculadas al feminismo, particularmente en el periodo transcurrido entre finales del XIX y principios del XX, donde hubo una verdadera sincronía entre este movimiento y las prácticas espiritistas.

Marta Mantecón (Santander, 1971) es trabajadora del arte, graduada en Historia del Arte por la Universidad Complutense de Madrid. Ha conducido y comisariado el Festival Foconorte (2007-2010), dirige desde 2016 la programación de la Sala Robayera de Miengo, es profesora del Centro Universitario CESINE desde 2015 y de UNATE desde 2008. Actualmente, conduce el programa de residencias artísticas CASYC Crea 2024/2025.

“Nunca aprendí a controlar mis máquinas. Cometí todos los errores posibles, pero los errores técnicos permitieron la magia… Subtextos psicológicos aleatorios que nunca se me hubiera ocurrido crear intencionalmente. El subconsciente se hizo visible, aunque no sé si fue mío o de la cámara”.

Nan Goldin

Con “Baladas y otros sucesos visionarios” estrenamos una nueva propuesta de Casyc PHoto: Los Visionados, sesiones en las que compartiremos material (libros y documentales) en torno a los autores o los temas que nos gustan.

Comenzamos con Nan Goldin (Washington D. C. - Estados Unidos, 1953), una de las fotógrafas más influyentes del mundo.

“La balada sobre la dependencia sexual” (The Ballad of Sexual Dependency) es la obra de arte definitoria de la década de 1980. El extenso estudio fotográfico de Nan Goldin sobre la familia que eligió –su tribu– comenzó como una presentación de diapositivas proyectada en los clubes y bares de Nueva York donde Goldin y sus amigos trabajaban y jugaban.

Compuesta por casi 700 retratos en forma de instantáneas, secuenciados con una evocadora banda sonora, The Ballad of Sexual Dependency es una narración profundamente personal, formada a partir de las propias experiencias de la artista en Boston, Nueva York, Berlín y otros lugares a finales de los años 70, 80. Sus protagonistas –incluida la propia artista– son capturados en momentos íntimos de amor y pérdida. Experimentan éxtasis y dolor a través del sexo y el consumo de drogas; se deleitan en clubes de baile; y sufren violencia doméstica y los estragos del SIDA.

En esta sesión compartiremos varios libros de la autora para poder analizar en profundidad su obra y visionaremos el documental “La belleza y el dolor” (All the Beauty and the Bloodshed - Laura Poitras, 2022), que sigue la vida de la artista y su activismo contra la dinastía farmacéutica de los Sackler, responsables de la mayor epidemia de opioides (fentanilo) de la historia de Estados Unidos.

Acceso gratuito con inscripción previa

Máximo de asistentes: 10

Inscripción aquí

La práctica fotográfica de María Gorbeña ha estado ligada a un verbo: ver. Ver, ver y ver: el mundo doméstico de Claude Batho, las evanescencias de Francesca Woodman, las naturalezas muertas de Tony Catany, los mares de Sugimoto, los no lugares de Humberto Rivas… en compañía siempre de Ralph Eugene Meatyard y de Sally Mann.

En este encuentro de Casyc PHoto reflexionará sobre la casa familiar, la casa que en el año 2003, con la muerte de su padre, parece terminar su recorrido. Decidieron ponerla en venta y la vaciaron entera para poderla enseñar. Y la casa quedó vacía, completamente vacía. Y todo lo que habían vivido se quedó allí, como flotando entre suelos, techos y paredes. Y lo fotografió, lo fotografió todo: allí estaba, el futuro.

María Gorbeña (Santander, 1947) viene realizando fotografías desde los años setenta. En el arranque de su carrera, mantuvo relación con el grupo Eclipse, lo que le permitió acercarse a la obra de Pedro Palazuelos. Posteriormente, participó en talleres de autores como Koldo Chamorro, Tony Catany, Carlos Cánovas o Humberto Rivas. Durante 20 años ha ejercido como fotógrafa de interiorismo para la revista Nuevo Estilo.

¡Cuídate de los idus de marzo!

(Shakespeare 1599 Julio César)

Los participantes en esta clase magistral tendrán la oportunidad durante toda una jornada de reinterpretar la memoria, volviendo la vista hacia un pasado creado a medida, convirtiéndose en narradores de una escena histórica en la cual lo profetizado se cumple, siendo testigos de la caída del político romano.

Maichak Tamanaco (Santander, 1982) es un artista polifacético con un estilo muy personal que, a través de su obra, nos adentra en la investigación y la renovación de los mitos, siendo este tema el eje principal de su trabajo, que viene desarrollando desde hace más de veinte años y que le ha llevado a mostrar su obra en diferentes países.

Calendario: 29 de marzo

Horario:   10 a 14 y 16 a 20 h

Precio:   30 €

Máximo de alumnos: 15

Inscripción aquí