Esta exposición lleva por título “Fanāʾ”, un término que en el sufismo puede interpretarse como “aniquilación del ego” o “extinción del yo”. Se trata de una serie, iniciada en 2013 y que continúa en progreso en la actualidad, en la que el fotógrafo investiga la mística del islam y profundiza en la tradición sufí. Se mostrará una selección de doce imágenes en las que la sobriedad de la puesta en escena se combina con un uso muy expresivo y preciso de la luz. En esta serie Cembranos ha realizado, en palabras de Marta Mantecón, “un trabajo introspectivo donde se pregunta si las imágenes tienen capacidad de revelarnos algo de nuestra esencia o si, por el contrario, lo que nos muestran son reflejos de algunas de las máscaras que utilizamos para relacionarnos con los demás”. La utilización de la fotografía como herramienta de conocimiento personal sirve, en este caso, para trascender una visión individualista y plantear una reflexión sobre nuestra posición en el mundo: no somos el centro del universo, sino una pequeña parte de él.

Este encuentro girará en torno a "Tras el Rastro de Madrid", un libro de fotografías recientemente publicado del que se proyectará un vídeo de 16 minutos de duración donde se mostrarán todas las imágenes que contiene el mismo.

Al comienzo de la charla, el autor hablará brevemente de sus inicios en la fotografía, de sus libros publicados y de los motivos por los que comenzó a acudir al Rastro con cierta frecuencia para hacer fotos de una manera bastante impulsiva, casi como una exigencia interior.

Luego vendrá la proyección y después será tiempo para hablar de las fotografías del libro: el planteamiento del proyecto, cómo se hicieron las imágenes, qué técnica se utilizó, a qué problemas se enfrentó el autor, anécdotas varias....  lo que vaya surgiendo, buscando el diálogo y la participación del público.

Jorge Póo Rayón (Comillas, 1960) se inició en el mundo de la fotografía en la Fotoescuela, en Santander, con el fotógrafo Willy Meneses, a la vez que estudiaba Magisterio. Tiene una larga experiencia como fotógrafo profesional, abarcando distintos campos de trabajo como televisión, cine, medios audiovisuales, teatro, arquitectura, prensa, fotografía industrial y, sobre todo, reportaje fotográfico.

Ha colaborado con agencias de prensa y publicidad, productoras de cine y televisión, y sus fotografías han sido publicadas en distintos medios: periódicos, revistas, publicidad, editoriales, etc. También tiene experiencia en actividad docente como profesor de reportaje gráfico y fotográfico en talleres, academias y escuelas de fotografía.

Durante todo este tiempo dedicado a la fotografía ha ido publicando los siguientes libros: “Tras el Rastro de Madrid” (2026), ”El Rastro sempiterno” (2023), “Luces en capilla” (2022), “Comillas es punto y aparte” (2016), “Santillana del Mar un lugar para imaginar” (2009), “Comillas con luz propia” (2005), “Comillas preludio de la Modernidad” (2004), “Reflejos de Comillas” (1996).

Este encuentro consistirá en un recorrido por la obra de fotógrafos contemporáneos que trabajan con procesos históricos, haciendo hincapié en los proyectos más útiles para comprender cómo y por qué utilizar este tipo de procesos en un trabajo fotográfico actual. Se hará un breve repaso a la historia de la fotografía a través de sus primeros procesos, vinculándolos con trabajos recientes que utilizan esas mismas técnicas, aunque sea de una forma y con unos resultados completamente diferentes. De esta manera, se revisarán los trabajos de autores como Alison Rossiter, Chris McCaw, Takashi Arai o Sally Mann.

Joaquín Paredes Piris (Cáceres, 1983) es un fotógrafo especialista en procesos históricos cuyos proyectos personales se articulan a partir de la experimentación con procesos fotográficos del siglo XIX, de la utilización de estas técnicas para hablar de realidades contemporáneas y de la búsqueda de los límites expresivos de estos procesos.

Actualmente compagina sus proyectos personales con la docencia a través de talleres, conferencias y realizando reproducciones históricas para, entre otros organismos, el IPCE (Instituto del Patrimonio Cultural España), el CDIS (Centro de Documentación de la Imagen de Santander), la Academia de España en Roma, el ICCD (Istituto Centrale Catalogo e Documentazione - Italia), el Science Museum de Londres, la Universidad de Barcelona, la Universidad de Sevilla, el Museo de la Universidad de Navarra (MUN), el Museo San Telmo (San Sebastián), La Fototeca de Navarra o La Babuch (Francia).

Ha expuesto su obra en La Gallerie Nazionali d’Arte Antica (Palazzo Barberini, Roma), en el Istituto Centrale per il Catalogo e la Documentazione (ICCD, Roma), en la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando (Madrid), en Segovia Foto, en la segunda edición de PHES, en el Festival Internacional de Fotografía Revela‐T (Barcelona), en Cáceres de Foto, en Photo Patagonia (Argentina) o en Timisoara (Rumanía).

Ha participado en los Encontros de Artistas Novos de 2018, en OpenPhoto (Sevilla). Ha sido también el codirector de la residencia de creación y experimentación artística del Revela-T. Sus fotografías han sido publicadas a nivel internacional en revistas especializadas como L’Oeil de la Photographie (Francia), Clavoardiendo Magazine (España), Adore Noir (Canadá) o Lomography Magazine International. Además, ha sido finalista de concursos internacionales como el Hariban Award (Japón) o los Emerging Talent Awards de Lens Culture, así como jurado de concursos como Europe Direct.

+ Info:

 www.joaquinparedes.com

Esta exposición lleva por título “Fanāʾ”, un término que en el sufismo puede interpretarse como “aniquilación del ego” o “extinción del yo”. Se trata de una serie, iniciada en 2013 y que continúa en progreso en la actualidad, en la que el fotógrafo investiga la mística del islam y profundiza en la tradición sufí. Se mostrará una selección de doce imágenes en las que la sobriedad de la puesta en escena se combina con un uso muy expresivo y preciso de la luz. En esta serie Cembranos ha realizado, en palabras de Marta Mantecón, “un trabajo introspectivo donde se pregunta si las imágenes tienen capacidad de revelarnos algo de nuestra esencia o si, por el contrario, lo que nos muestran son reflejos de algunas de las máscaras que utilizamos para relacionarnos con los demás”. La utilización de la fotografía como herramienta de conocimiento personal sirve, en este caso, para trascender una visión individualista y plantear una reflexión sobre nuestra posición en el mundo: no somos el centro del universo, sino una pequeña parte de él.

Durante gran parte de su vida profesional Rafa Sámano ha trabajado como fotógrafo de agencia, una experiencia que ha marcado profundamente su manera de entender la fotografía. En esta presentación de Casyc Photo explicará cómo se vive desde dentro esta profesión e intentará acercar al público asistente las dinámicas de un modelo de trabajo condicionado por la actualidad, la rapidez y, por lo tanto, la capacidad de respuesta.

De esta manera, comentará cómo surge y cómo funciona una agencia fotográfica, cómo se reciben los encargos, cómo se organizan las coberturas y cómo se reparte el trabajo entre fotógrafos, editores, agencias y medios de comunicación. Se detendrá especialmente en la misión del fotógrafo de agencia: estar en el lugar de los hechos, observar, anticiparse y encontrar el momento preciso para contar visualmente aquello que está sucediendo.

También hablará de las ventajas y dificultades de este modelo profesional: la variedad de trabajos, la experiencia, el acceso a diferentes acontecimientos, pero también la presión, los horarios, la incertidumbre y las exigencias de un oficio que requiere, sin tregua, estar preparado en todo momento.

Por último, explicará cómo ha evolucionado la profesión, desde el carrete y los antiguos sistemas de transmisión hasta la fotografía digital y la difusión inmediata de las imágenes. A través de algunas de sus fotografías, compartirá las historias y experiencias que hay detrás de ellas y reflexionará sobre lo que ha significado para él dedicar tantos años a mirar, documentar y contar una época desde detrás de una cámara.

Rafa Sámano (Santander, 1955) realiza estudios de fotografía en el Centro de Estudios de la Imagen (CEI) en 1979 y se licencia en Derecho por la Universidad Complutense de Madrid en 1983. Entre 1980 y 1983 trabaja en la productora Sabre Films como auxiliar de producción, auxiliar de dirección y foto fija. En 1983 se incorpora a la agencia COVER, donde ejerce como fotoperiodista hasta 2003, cubriendo información política, cultural y social para medios nacionales e internacionales. El archivo fotográfico, producido durante estos años, es distribuido por la agencia Getty Images. Entre 2008 y 2012 trabaja para IFEMA y, de 2015 a 2018, para IBERDROLA realizando fotografía corporativa.

Además, desde 2003 trabaja como fotógrafo independiente y desarrolla proyectos documentales en Egipto (“El Camino de San Marcos, Cristianos del bajo Nilo”) para la Comunidad de Madrid o en Mauritania (“Dentistas en África"), Benín (”Ruta de la Luz”) o Tanzania que dan lugar a exposiciones colectivas en el Ayuntamiento de Soria y en la Fototeca de Veracruz, México.

Su trayectoria artística incluye las exposiciones "Walking Miami", presentada en la Galería Luis Burgos de Madrid dentro de PHotoEspaña 2019, y "La mirada del otro lado de la realidad", en la Galería Siboney dentro de PHotoEspaña 2022. En 2026 presentó, en el Centro de Documentación de la Imagen de Santander (CDIS), "El Oficio de Mirar", un recorrido en blanco y negro por sus primeros cinco años de trayectoria profesional.

+ Info:

https://rafasamano.com

Helmut Newton (Alemania, 1920-2004) consiguió transformar la fotografía de moda en un arte narrativo lleno de tensión, misterio y poder femenino, no exento de polémica.

Las que aparecen en sus fotografías son mujeres poderosas, dominantes: aparentemente, no son objetos pasivos. La utilización de elementos como tacones de aguja, lencería, cuero, ataduras, así como poses sugerentes que exploran los deseos sin complejos, le acercan al mundo visual del erotismo y del fetichismo.

Por otro lado, el uso del blanco y negro de alto contraste acerca su obra a la narrativa de cine negro. A menudo, sus composiciones parecen fotogramas de películas de misterio o crimen, ambientados en calles nocturnas, hoteles de lujo o villas ostentosas.

Durante toda su vida profesional hizo grandes esfuerzos para romper las reglas morales de la época con ironía, provocando, de manera simultánea, transgresión, escándalo, fascinación, y una dosis considerable de humor negro.

En resumen, la obra de Helmut Newton se muestra como una radical mezcla de glamur, erotismo y provocación visual.

   

Calendario: 12  de noviembre

Horario:   19 a 21 h

Precio: Acceso gratuito con inscripción previa

Máximo de alumnos: 15

Inscripción aquí

A menudo, la fotografía comienza con una pregunta cuya respuesta llega a través de la imagen. Pero antes está un impulso, una emoción que no se comprende del todo y que se traduce en la necesidad de salir a la calle, de estar en contacto con el mundo, de acercarse al otro para escuchar su historia… recoger un destello que a veces es lo único que recibimos cuando fotografiamos.

 

En este encuentro, Miriam Mora nos hablará de algunas fotógrafas y escritoras cuyas obras son muy importantes para ella, y compartirá los trabajos que ha realizado en los últimos años: desde un largo viaje por España investigando el mundo de los galgos, hasta otro más próximo al interior de Cantabria y de mi propia familia. En este recorrido intentará descifrar algunas de las claves que le han guiado, incluidas las propias dudas sobre la creación.

Miriam Mora (Santander, 1984) es una artista visual que utiliza la fotografía para investigar la relación del ser humano con la naturaleza y los animales. Licenciada en Administración y Dirección de Empresas, en 2009 se traslada a Madrid para estudiar fotografía y realiza el Máster de Nuevo Documentalismo en EFTI. En 2012 regresa a Santander, donde actualmente reside y trabaja como fotógrafa freelance especializada en proyectos documentales. Su trabajo ha sido expuesto en ciudades como Madrid, Murcia, Alicante, Málaga, Barbastro y Santander.

En 2019 publicó su proyecto “Noche de perros” y obtuvo la Beca en BFoto Festival. Ha sido seleccionada en el Programa Comisariado 2021 del Gobierno de Cantabria y ha recibido una de las Ayudas a la Creación 2021 de Vegap, para la realización de su trabajo: “El monte no tiene ojos, pero ve”. Además, dirige el festival El Temporal en Santander, y es cofundadora de la plataforma Campo Visible.

+ Info:

www.miriammora.com

Esta exposición lleva por título “Fanāʾ”, un término que en el sufismo puede interpretarse como “aniquilación del ego” o “extinción del yo”. Se trata de una serie, iniciada en 2013 y que continúa en progreso en la actualidad, en la que el fotógrafo investiga la mística del islam y profundiza en la tradición sufí. Se mostrará una selección de doce imágenes en las que la sobriedad de la puesta en escena se combina con un uso muy expresivo y preciso de la luz. En esta serie Cembranos ha realizado, en palabras de Marta Mantecón, “un trabajo introspectivo donde se pregunta si las imágenes tienen capacidad de revelarnos algo de nuestra esencia o si, por el contrario, lo que nos muestran son reflejos de algunas de las máscaras que utilizamos para relacionarnos con los demás”. La utilización de la fotografía como herramienta de conocimiento personal sirve, en este caso, para trascender una visión individualista y plantear una reflexión sobre nuestra posición en el mundo: no somos el centro del universo, sino una pequeña parte de él.

“Presencio & The Rural Kids” es un proyecto documental y fotográfico que Virginia Villacisla ha desarrollado durante más de una década. A través de una serie de imágenes íntimas, vibrantes y cargadas de memoria, la autora retrata a un grupo de jóvenes en el pueblo burgalés de Presencio, de 200 habitantes, un lugar vinculado a su historia personal y familiar. Este trabajo ofrece una mirada desde dentro -sin artificios ni condescendencia- sobre lo que significar crecer en comunidad en un entorno rural marcado por el éxodo y la transformación.

El título del proyecto alude tanto al topónimo del pueblo como al verbo “presenciar”, reflejando el doble significado de documentar y formar parte de lo vivido. Villacisla no es una observadora externa: es parte de esa juventud que habita espacios heredados de sus padres y abuelos. Las imágenes, tomadas entre 2009 y la actualidad, revelan un universo que oscila entre lo salvaje y lo nostálgico: veranos sin ley, amores de verbena, botellones en la tómbola, la espera del futuro entre ruinas familiares y cierta belleza estancada.

Virginia Villacisla (Burgos, 1994) se licenció en Comunicación Audiovisual en la Universidad de Burgos y, posteriormente, se trasladó a Madrid para especializarse en fotografía contemporánea y de autor en la escuela EFTI. Su mirada se articula en torno al territorio rural en el que creció y sus habitantes, y se caracteriza por un humor distanciado, una ironía sutil y una exploración de la disfuncionalidad.

Su trabajo ha sido expuesto en diversas ciudades de España (Burgos, Madrid, Sevilla o Alicante) y ha sido reconocido en certámenes como Baffest, el Seminario de Fotografía y Periodismo de Albarracín o la Beca Joana Biarnés, entre otros. Asimismo, ha sido publicado tanto en medios especializados como las revistas Exit o Salvaje, como en publicaciones generalistas, entre ellas El País Semanal.

En 2025 publica su primer fotolibro, “Presencio & The Rural Kids”, que forma parte de la reconocida colección Cuadernos de la Kursala, comisariada por Jesús Micó.

Este seminario se plantea como un espacio plural de trabajo, reflexión, discusión y diálogo abierto para cuestionar la fotografía a través del intercambio dinámico de ideas y de prácticas, teniendo en cuenta la teoría, la historia, la técnica o la crítica.

Dividido en sesiones de una hora y media de duración, en cada jornada se abordará un problema o cuestión determinado para, a partir de ahí, generar un debate sobre las extensiones, implicaciones o derivas a las que este nos pueda llevar.

En esta primera sesión intentaremos responder a preguntas como ¿cuándo empieza una fotografía? o ¿cuándo podemos decir que una fotografía es una fotografía nuestra? La mesa abierta recoge diálogos entre teorías, historias, fotos, libros, autores e ideas, pero sobre todo, más que ofrecer respuestas, plantea y deja abiertas preguntas.

De esta manera, en la mesa se abrirán libros, imágenes, biografías, textos, entrevistas e ideas con el fin de entrecruzar discursivamente puntos de vista y abordar distintos lenguajes, de cara a reflexionar sobre el papel de la fotografía en la cultura visual contemporánea, considerando cuestiones como la identidad, la memoria, la representación, el género, el estilo, la edición, la exposición, así como el impacto de las redes digitales tanto en el mundo como en cada uno de nosotros como creadores de imágenes.

El seminario está dirigido a todas aquellas personas interesadas en la realización fotográfica desde cualquier posición creativa.

Raúl Hevia (Oviedo, Asturias, 1965) vive y trabaja en Santander. Licenciado en Historia del Arte, es artista e investigador. Ha centrado sus trabajos en el arte del siglo XX, sobre todo la fotografía, el diseño y el libro, así como las estrategias del arte seriado, los nuevos espacios de exhibición de la práctica artística y los modos y lenguajes plásticos y visuales que se escapan a las clasificaciones convencionales. Ha realizado numerosas publicaciones, exposiciones individuales y colectivas, y sus imágenes forman parte de colecciones nacionales e internacionales, públicas y privadas.

Como artista ha presentado proyectos individuales y colectivos, por citar unos pocos de los últimos años: El encargo, BCC, Santander; Entorno, Encuentro, Exploración, Museo de la Universidad de Navarra, Pamplona; Orden/Desorden, MuVIM, Valencia. Múltiplos, Colección Carpe Diem, Kogan Gallery, París; Paisajes: naturaleza y artificio. La Lonja, Zaragoza; MUSEA, Carpe Diem Arte e Pesquisa, Lisboa, Portugal. Ha asistido a ferias como ARCO, ARCO Lisboa, Artesantander, MIA Fair, JustMad o Estampa.

Ha sido artista residente en las siguientes instituciones: SOMA, Ciudad de México; Ababol, Aladrén, Zaragoza; Hangar, Lisboa; BilbaoArte, Bilbao; 1646, The Hague, Holanda; Centro de Arte Faro Cabo Mayor, Santander; Centro de Arte Carpe Diem Arte e Pesquisa, Lisboa y durante la 16ª Bienal de Cerveira, Vila Nova de Cerveira, Portugal.

En 2025 crea la “Oficina de Fotografía Anónima” en Santander, un proyecto editorial de carácter curatorial en el que, como editor, invita a una serie de creadores de diversas disciplinas y procedencias a desarrollar un proyecto propio en formato fotolibro, bajo el nombre general de “Colección Extraviada”.

Horario: Miércoles, 9 de diciembre de 2026 – 19:00 h

Precio: gratuito con inscripción obligatoria

Máximo de asistentes: 15

Inscripción: casycphoto@gmail.com

El taller constará de una primera parte con la presentación del trabajo de retrato realizado por el autor: consejos útiles para afrontar las sesiones, diseño de las mismas, esquemas de iluminación, localización, ritmo, psicología, etc.

En una segunda parte, se abordará de manera práctica la realización de retratos en estudio con diferentes planteamientos, soluciones y resultados.

Javier Salas (Santander, 1965) es un fotógrafo especializado en retrato en cuyo trabajo ha primado siempre la sencillez y, también, el impacto visual. Ha colaborado con importantes revistas, tanto en España, México o Estados Unidos: Rolling Stone, GQ, Interview, Vogue o Vanity Fair. En este sentido, cabe destacar que ha sido el único fotógrafo español que ha publicado una portada en la revista Time americana.

Por su objetivo han pasado todo tipo de personajes del mundo del cine, la música, la política, la cultura o el deporte: entre otros, José Saramago, Penélope Cruz, Jennifer López, Quentin Tarantino, Charlotte Rampling, Norman Foster o Kate Moss.

Además, ha colaborado con las más importantes compañías discográficas, con reportajes de artistas y portadas de discos. En este medio, su trabajo es muy extenso, formando parte de la iconografía más reconocible de la música española.

+ Info:

www.javiersalas.com

Calendario: Sábado, 12 de diciembre de 2026

Horario:   10 a 14 h

Precio:   45 €

Máximo de alumnos: 15

Inscripción aquí

En esta charla, Rocío Segura hablará sobre su trayectoria profesional en fotografía: de cómo empezó y los pasos que fue dando; también de cómo se ve en el futuro, de los sueños alcanzados y los que quedan todavía por conseguir… de la necesidad de formar parte de una comunidad positiva y contar con equipos creativos y técnicos que le puedan apoyar cuando sea necesario.

También habrá tiempo para charlar sobre la importancia de la estética y el estilo, y del interesante mundo de la impresión como producto añadido a la fotografía. A lo largo del encuentro, veremos una recopilación de sus trabajos más importantes y cerraremos la sesión con una ronda de preguntas.

Rocío lleva 16 años en Nueva York, según sus palabras “una ciudad dura, difícil de entender y muy vertiginosa en su ritmo”. Aunque ahora está encantada de vivir en la Gran Manzana, las cosas no siempre fueron así: “soy consciente de que he tenido mucha suerte pero también he trabajado intensamente para conseguirlo”.

Rocío Segura (Santander, 1986) es una fotógrafa independiente y directora de arte radicada en la ciudad de Nueva York. Su master en Fotografía Digital de la School of Visual Arts le dio la oportunidad de empezar a trabajar como asistente de fotógrafos de muy alto nivel como Steven Klein, Ceditc Buchet, James Porto o Fernando Milani, lo que le permitió aprender mucha técnica y mejorar su flujo de trabajo en la fotografía de estudio.

Su fuerte como fotógrafa comercial se encuentra en su forma única y personal de capturar la esencia de cada marca. Su portafolio muestra un dominio de la iluminación y la composición, entregando imágenes de alta calidad que resuenan profundamente con el público. Su misión creativa es traducir la emoción humana pura y auténtica en narrativas visuales atemporales.

Como ella misma indica, “más allá de simplemente tomar fotos, me especializo en tomar imágenes de alto impacto que sirvan como lienzo para contar mi historia. A través de mi lente, intento crear una belleza atemporal que trascienda lo ordinario e ilumine lo extraordinario”.

+Info:

https://rociosegura.com