Este trabajo nació como un reto personal, una necesidad de ponerme a prueba dentro del lenguaje documental, enfrentándome a un contexto complejo, cargado de significado, donde la mirada exige tiempo, distancia y respeto.

Entre 2015 y 2017 me acerqué a San Sebastián de Garabandal con la intención de observar, de entender hasta dónde era capaz de llegar como fotógrafo. En cierto modo, este proyecto también dialoga con los referentes que han marcado mi formación, con esa manera de mirar heredada de los grandes autores que siempre he admirado.

Desde el principio tuve claro que debía situarme en la distancia del observador. Sin emitir juicios, sin buscar aprobación, sin caer en la crítica. Mi intención fue estar presente sin intervenir; trabajar desde el máximo respeto y la discreción que el lugar y las personas requerían. Dejar que las imágenes sucedieran por sí solas, sin forzarlas.

Sin embargo, hay algo de lo que no es posible desprenderse: la propia mirada. Este trabajo está inevitablemente atravesado por mi forma de entender la fotografía. Una mirada sencilla, directa, frontal. Una forma de acercarme a lo que ocurre como si observara el mundo a través de un 50 mm: sin artificios, sin distorsión, sin más intención que mostrar lo que está delante de mí de la manera más clara posible.

Este proyecto no pretende explicar Garabandal, ni interpretarlo. Es, simplemente, una aproximación. Un ejercicio de observación. Un intento de estar ahí.

Sergio Cuevas

Pilar Otí lleva casi cuatro décadas mirando el mundo a través de una cámara; 40 años de fotografía y 32 como profesional dan para mucho: para cambiar, para dudar, para reinventarse y, sobre todo, para seguir teniendo curiosidad.

En esta charla compartirá ese itinerario, no como una línea recta, sino como un mapa lleno de conexiones. Hablará de sus últimos proyectos, de lo que le mueve ahora mismo, pero también de cómo muchas de esas ideas no son nuevas, sino que nacen de trabajos anteriores, de intuiciones que estaban ahí desde el principio porque, al final, todo está conectado. Las imágenes de hoy dialogan con las que tienen ya unos años. Los temas vuelven, evolucionan, se transforman y, en ese cruce entre pasado y presente, es donde realmente se entiende una trayectoria. Este encuentro es, básicamente, eso: un viaje, un recorrido honesto por su forma de mirar, de trabajar y de entender la fotografía a lo largo de todo ese tiempo.

La trayectoria de Pilar Otí García (Entrambasaguas, 1972) se mueve entre la técnica y la mirada personal. Lleva más de tres décadas trabajando la fotografía desde distintos ángulos, combinando de forma natural creación artística, reportaje social y docencia.

Cuenta con una base sólida, con el Grado en Fotografía y Creación Digital por la UPC y un Máster en Historia de la Fotografía. Además, ha ampliado su perfil con formación en digitalización de patrimonio, postproducción audiovisual y edición de vídeo. Desde 1996 trabaja como fotógrafa autónoma, dominando todo el proceso: desde la toma hasta el tratamiento digital.

Por lo que se refiere a la docencia, en la actualidad da clases en La Vidriera (Camargo); ha sido profesora asociada en CESINE y ha impartido clases en espacios como el Centro Nacional de Fotografía o el Centro de Formación del Ayuntamiento de Torrelavega, donde ha acompañado a nuevas generaciones de fotógrafos con una metodología influenciada por referentes como Joan Fontcuberta, Chema Madoz o Carles Mitja.

Desde sus primeros premios en los años ochenta hasta proyectos más recientes como “Paisajes del cuerpo” o “Paisajes del agua”, su trabajo gira en torno a la identidad y el paisaje. Su obra se ha mostrado en contextos internacionales como la Portsmouth University y en citas nacionales como PhotoESPAÑA. Actualmente, su obra forma parte de colecciones permanentes como el Museo de Arte Moderno y Contemporáneo de Santander (MAS) o el Cabildo Canario.

@pilarotifotografia

Desarrollar un proyecto fotográfico supone emprender un camino en el que será fundamental nuestra voz y nuestra mirada. Este camino no siempre será cómodo o fácil. En ocasiones será incierto, ya que no sabremos exactamente el tiempo que nos llevará completarlo; otras veces, apasionante, cuando estemos inmersos en plena producción, y otras un tanto tedioso, cuando nos tengamos que enfrentar a cientos de imágenes en el proceso de edición.

¿Y cómo disfrutar de todo el paisaje que acompaña el recorrido de este camino? En primer lugar, será fundamental conocer las distintas fases que son necesarias para abordar con éxito un proyecto artístico contemporáneo; fases en las que no podrán faltar grandes dosis de reflexión, investigación y toma de conciencia sobre la motivación personal para el desarrollo del proyecto específico.

¿Y de qué manera se podrá materializar este proyecto fotográfico? No habrá una única fórmula; según se vaya configurando el proyecto en cuestión, se podrá formalizar de una o varias formas.

En esta clase magistral se realizará una aproximación a todas las cuestiones anteriores y a la materialización de un proyecto fotográfico en un triple formato (exposición – fotolibro – audiovisual).  Desde un enfoque teórico, la clase se apoyará en la explicación de la metodología personal que Mar Sáez ha aplicado a sus proyectos y en la visualización de los mismos para plantear estrategias y herramientas que permitan contar historias con imágenes.

Mar Sáez (Murcia, 1983) es una artista multidisciplinar que trabaja con fotografía, texto, vídeo y sonido. Es licenciada en Psicología y Comunicación Audiovisual, con especialización en fotografía contemporánea, teoría y proyectos artísticos. En 2021 recibió una beca de la Academia de España en Roma para una residencia artística.

Su obra explora la identidad y la biopolítica, abordando las realidades que le preocupan desde una perspectiva inmersiva. Por ello, su trabajo trasciende el formato fotográfico y se materializa en instalaciones, libros, documentos web y películas.

Ha publicado tres fotolibros: “Vera y Victoria” (2016) y “Gabriel” (2018), con la editorial André Frère Éditions, y “Terza Vita” (2024), con La Fábrica y Schilt Publishing.

Su obra forma parte de colecciones en Europa, Asia y Estados Unidos, y está representada por la galería Daniel Cuevas en Madrid y Fifty Dots en Barcelona.

https://www.marsaez.com

@marsaezphotography

Calendario: Sábado, 6 de junio de 2026

Horario:   10 a 14 y 16 a 20 h

Precio:   45 €

Máximo de alumnos: 15

Inscripción aquí

El Ciclo de Artes Plásticas y Diseño en Fotografía del Colegio Ángeles Custodios de Santander es un grado superior orientado a formar profesionales capaces de desenvolverse con solvencia en los distintos ámbitos de la creación fotográfica y audiovisual. Un lugar donde la técnica y la mirada se encuentran.

Partiendo de la premisa de que la cámara no es solo una herramienta y que la representación fotográfica atiende a una forma personal de ver y representar el mundo, durante dos cursos el alumnado aprende a dialogar con la luz, a construir imágenes que cuentan, a transformar intuiciones en proyectos. De esta manera, los alumnos se mueven entre el retrato, la documentación, la experimentación y la narrativa visual, buscando una voz propia en un medio que nunca deja de reinventarse y que permite un maridaje perfecto con otras disciplinas artísticas, como puede ser el audiovisual o la representación gráfica más tradicional.

La exposición de Proyectos Integrados, que se inaugura el próximo 11 de junio en el Espacio Pablo Hojas (Casyc PHoto) de la Fundación Caja Cantabria, es el cierre natural de ese recorrido. Cada propuesta es una declaración personal: una idea que se afina, un proceso que se asienta, una mirada que se atreve a decir algo. Este año, la muestra reúne trabajos que van desde la denuncia social a la exploración íntima del cuerpo, del documento cotidiano a la metáfora visual. Un conjunto plural que revela las inquietudes de una nueva generación de creadores y permite al público asomarse al aprendizaje, la búsqueda y la intensidad que definen este ciclo.

Las propuestas presentadas este año corresponden a Lorena Bolívar con su proyecto “Tus Ojos”, Álvaro Toral con “Petricor”, Roger Otaméndez con “Spanish Dream” y Amai Díaz con “Skate or Die”.

En este tiempo en el que nuestro horizonte se amplía a todo el planeta y los cambios son más rápidos que lo que la mente humana puede asimilar, la fotografía -que se había asentado como una prueba fehaciente y veraz de “la realidad”- se torna como protagonista de posverdades y definitivamente nos deja desamparados en un mundo virtual.

Frente a ello, Iñaki Izquierdo propone, como práctica fotográfica, el contacto directo con la persona y la vuelta a las experiencias cercanas. En esta charla, Izquierdo desgranará su experiencia como autor fotográfico, explicando algunas de las claves de su trabajo que pueden servir de guía tanto para quien busca su espacio en la fotografía como para quien quiera entender su trabajo como espectador.

De esta manera, realizará un repaso de los principales trabajos en los que ha estado embarcado en los últimos años, haciendo hincapié en la formación como fotógrafo y en las claves que han marcado cada una de sus series, todo ello desde la idea de la relación íntima que existe entre la fotografía y la realidad.

Iñaki Izquierdo Muxika (Sestao, Vizcaya, 1965) es un fotógrafo documentalista que profundiza en los temas que trabaja con el fin de ofrecer al espectador una imagen bien definida de su experiencia. Utiliza la fotografía como testimonio social, con el ser humano como centro de sus trabajos.

Hasta la fecha ha completado cuatro grandes trabajos documentales, además de otras series en las que continúa trabajando. “Imágenes de La Minería” (1998) reconstruye la actividad minera del entorno de La Ría de Bilbao a través de sus vestigios. En “Viviendo en Sestao” (2006) dirige una mirada de nostalgia a su propio pueblo, Sestao, con el fin del paisaje industrial de su niñez de fondo. “Pasiegos siglo XXI” (2011) muestra uno de los fenómenos antropológicos más singulares de los que aún perduran en España; fue incluido en las actividades del décimo aniversario de la convección del Patrimonio Cultural Inmaterial de la UNESCO (junio 2013). Por último, “Chernobyl. La amiga invisible” nace de la colaboración con las asociaciones que acogen menores afectados por la radiación de Chernobil y muestra la vida cotidiana en Bielorrusia en torno a esos menores; fue premiado en el programa Comisariado 2023 de artes plásticas del Gobierno de Cantabria.

https://www.izquierdofoto.com

https://www.facebook.com/inaki.izquierdomuxika

La imagen que acompaña este texto es considerada la primera fotografía de la historia y fue tomada por Joseph Nicéphore Niépce (1765-1833) en algún momento de 1826 desde una ventana de su finca «Le Gras», en la localidad de Saint-Loup-de-Varennes, Francia.

Titulada “Vista desde la ventana en Le Gras” (en francés, “Point de vue du Gras”), se trata en realidad de una heliografía, un procedimiento fotográfico que consistía en captar directamente del natural, con una cámara oscura, empleando diversos materiales como soporte sensible: papel, cristal, estaño, cobre o peltre (como en el caso que nos ocupa). De esta manera, Niépce capturó la imagen con una cámara oscura enfocada en una placa de peltre de 20 x 25 cm tratada con betún de Judea.

En 1898 fue exhibida al público por última vez, cayendo posteriormente en el olvido. Fue el coleccionista Helmut Gernsheim quien volvió a sacarla a la luz en 1952. En 1973, la Universidad de Texas adquirió la colección de Helmut Gernsheim y a día de hoy se exhibe en el Harry Ransom Humanities Research Center de la Universidad de Texas, en Austin.

Famosas son también las palabras de John Szarkowski, el mítico director de fotografía del MoMA, en el prólogo del catálogo de la exposición “Mirrors and Windows” (1978): “¿Una fotografía es un espejo que refleja el retrato del propio artista que la hizo o una ventana a través de la cual se nos ofrece la posibilidad de conocer el mundo?”.

Esta exposición colectiva pretende ser un homenaje al nacimiento de la Fotografía, que cumple ahora 200 años, justo en un momento en el que la irrupción de la Inteligencia Artificial pone en cuestión, no sólo la verosimilitud de las imágenes, sino el hecho mismo de su creación.

Para reflexionar sobre todas estas cuestiones hemos invitado a 35 fotógraf@s relacionados con la región.

Este proyecto expositivo, coordinado por los responsables de Casyc PHoto (Javier Lamela, Raúl Lucio y Javier Vila), será mostrado al público en el verano de 2026 en el Palacio de Caja Cantabria en Santillana del Mar. La inauguración de la muestra será a finales del mes de junio.

La imagen que acompaña este texto es considerada la primera fotografía de la historia y fue tomada por Joseph Nicéphore Niépce (1765-1833) en algún momento de 1826 desde una ventana de su finca «Le Gras», en la localidad de Saint-Loup-de-Varennes, Francia.

Titulada “Vista desde la ventana en Le Gras” (en francés, “Point de vue du Gras”), se trata en realidad de una heliografía, un procedimiento fotográfico que consistía en captar directamente del natural, con una cámara oscura, empleando diversos materiales como soporte sensible: papel, cristal, estaño, cobre o peltre (como en el caso que nos ocupa). De esta manera, Niépce capturó la imagen con una cámara oscura enfocada en una placa de peltre de 20 x 25 cm tratada con betún de Judea.

En 1898 fue exhibida al público por última vez, cayendo posteriormente en el olvido. Fue el coleccionista Helmut Gernsheim quien volvió a sacarla a la luz en 1952. En 1973, la Universidad de Texas adquirió la colección de Helmut Gernsheim y a día de hoy se exhibe en el Harry Ransom Humanities Research Center de la Universidad de Texas, en Austin.

Famosas son también las palabras de John Szarkowski, el mítico director de fotografía del MoMA, en el prólogo del catálogo de la exposición “Mirrors and Windows” (1978): “¿Una fotografía es un espejo que refleja el retrato del propio artista que la hizo o una ventana a través de la cual se nos ofrece la posibilidad de conocer el mundo?”.

Esta exposición colectiva pretende ser un homenaje al nacimiento de la Fotografía, que cumple ahora 200 años, justo en un momento en el que la irrupción de la Inteligencia Artificial pone en cuestión, no sólo la verosimilitud de las imágenes, sino el hecho mismo de su creación.

Para reflexionar sobre todas estas cuestiones hemos invitado a 35 fotógraf@s relacionados con la región.

Este proyecto expositivo, coordinado por los responsables de Casyc PHoto (Javier Lamela, Raúl Lucio y Javier Vila), será mostrado al público en el verano de 2026 en el Palacio de Caja Cantabria en Santillana del Mar. La inauguración de la muestra será a finales del mes de junio.

La imagen que acompaña este texto es considerada la primera fotografía de la historia y fue tomada por Joseph Nicéphore Niépce (1765-1833) en algún momento de 1826 desde una ventana de su finca «Le Gras», en la localidad de Saint-Loup-de-Varennes, Francia.

Titulada “Vista desde la ventana en Le Gras” (en francés, “Point de vue du Gras”), se trata en realidad de una heliografía, un procedimiento fotográfico que consistía en captar directamente del natural, con una cámara oscura, empleando diversos materiales como soporte sensible: papel, cristal, estaño, cobre o peltre (como en el caso que nos ocupa). De esta manera, Niépce capturó la imagen con una cámara oscura enfocada en una placa de peltre de 20 x 25 cm tratada con betún de Judea.

En 1898 fue exhibida al público por última vez, cayendo posteriormente en el olvido. Fue el coleccionista Helmut Gernsheim quien volvió a sacarla a la luz en 1952. En 1973, la Universidad de Texas adquirió la colección de Helmut Gernsheim y a día de hoy se exhibe en el Harry Ransom Humanities Research Center de la Universidad de Texas, en Austin.

Famosas son también las palabras de John Szarkowski, el mítico director de fotografía del MoMA, en el prólogo del catálogo de la exposición “Mirrors and Windows” (1978): “¿Una fotografía es un espejo que refleja el retrato del propio artista que la hizo o una ventana a través de la cual se nos ofrece la posibilidad de conocer el mundo?”.

Esta exposición colectiva pretende ser un homenaje al nacimiento de la Fotografía, que cumple ahora 200 años, justo en un momento en el que la irrupción de la Inteligencia Artificial pone en cuestión, no sólo la verosimilitud de las imágenes, sino el hecho mismo de su creación.

Para reflexionar sobre todas estas cuestiones hemos invitado a 35 fotógraf@s relacionados con la región.

Este proyecto expositivo, coordinado por los responsables de Casyc PHoto (Javier Lamela, Raúl Lucio y Javier Vila), será mostrado al público en el verano de 2026 en el Palacio de Caja Cantabria en Santillana del Mar. La inauguración de la muestra será a finales del mes de junio.