Este trabajo nació como un reto personal, una necesidad de ponerme a prueba dentro del lenguaje documental, enfrentándome a un contexto complejo, cargado de significado, donde la mirada exige tiempo, distancia y respeto.

Entre 2015 y 2017 me acerqué a San Sebastián de Garabandal con la intención de observar, de entender hasta dónde era capaz de llegar como fotógrafo. En cierto modo, este proyecto también dialoga con los referentes que han marcado mi formación, con esa manera de mirar heredada de los grandes autores que siempre he admirado.

Desde el principio tuve claro que debía situarme en la distancia del observador. Sin emitir juicios, sin buscar aprobación, sin caer en la crítica. Mi intención fue estar presente sin intervenir; trabajar desde el máximo respeto y la discreción que el lugar y las personas requerían. Dejar que las imágenes sucedieran por sí solas, sin forzarlas.

Sin embargo, hay algo de lo que no es posible desprenderse: la propia mirada. Este trabajo está inevitablemente atravesado por mi forma de entender la fotografía. Una mirada sencilla, directa, frontal. Una forma de acercarme a lo que ocurre como si observara el mundo a través de un 50 mm: sin artificios, sin distorsión, sin más intención que mostrar lo que está delante de mí de la manera más clara posible.

Este proyecto no pretende explicar Garabandal, ni interpretarlo. Es, simplemente, una aproximación. Un ejercicio de observación. Un intento de estar ahí.

Sergio Cuevas

Entre 1997 y 1999 Bernardo Aja trabajó en el Palacio de Gobierno, en Lima (Perú), como fotógrafo de Alberto Fujimori. Entre todo el tiempo muerto que tenía, encontró un motivo que le atrajo enormemente y le tuvo obsesionado durante estos tres años: el cambio de guardia de los Húsares de Junín. Salen, giran, marcan el paso… regresan.

Estas imágenes han permanecido inéditas durante 26 años; nunca se han publicado, nunca se han expuesto ni se han mostrado en público, hasta ahora.  Este verano se podrán ver por vez primera, en formato exposición, en Lima.

En la actualidad, los Húsares de Junín ya no existen; han sido sustituidos por otro cuerpo del ejército que realiza el mismo ejercicio.

Como los Húsares de Junín, como en “El gran teatro del mundo” de Pedro Calderón de la Barca, la vida se construye a base de repetición: ensayo y error, avances y retrocesos, caídas y recomienzos. A pesar de las catástrofes, los naufragios, los sismos y los imponderables, todo vuelve a empezar.

El fotógrafo Bernardo Aja de Maruri (Santander, 1973) -formado lejos, en tránsito constante- compartirá una reflexión personal sobre la práctica artística como resistencia: un oficio de largo aliento, sostenido entre la resiliencia y el agotamiento, en un presente donde lo digital, el intrusismo y la inteligencia artificial acechan. Una conversación sobre la insistencia, el tiempo y la necesidad -casi física- de seguir mirando. En el fondo, su trabajo no trata de llegar a ningún sitio, sino de mantenerse en movimiento para no caerse: observar, insistir, equivocarse y volver a empezar. Como los húsares. Como la vida.

https://www.bernardoaja.com

@bernardoaja

Robert Mapplethorpe (Estados Unidos, 1946-1989) fue un fotógrafo reconocido por sus impactantes retratos y naturalezas muertas en blanco y negro de técnica impecable. Formado en pintura y escultura en el Pratt Institute de Brooklyn, comenzó experimentando con collages y Polaroids antes de consolidar su estilo característico.

Su obra se distingue por una búsqueda obsesiva de la belleza clásica, la composición precisa y un manejo maestro de la luz, aplicados a temas que a menudo desafiaban las normas sociales.

Mapplethorpe es célebre por sus retratos de celebridades, autorretratos intensos e imágenes de flores que elevan la forma a una belleza atemporal. Su carrera, aunque prolífica, estuvo marcada por la controversia debido a la temática de algunas de sus fotografías, lo que lo convirtió también en un estandarte de la libertad artística.

Trabajó con gran rigor formal, utilizando la cámara Hasselblad para lograr composiciones 1:1 que equilibraban el erotismo y la forma. Tras ser diagnosticado con SIDA en 1986, aceleró su producción creativa hasta su muerte en 1989.

Su legado perdura a través de la Fundación Robert Mapplethorpe, creada por él para promover la fotografía y financiar la investigación médica contra el SIDA, consolidándolo como una figura clave que unió el arte de vanguardia con la controversia social y la lucha activista.

https://www.mapplethorpe.org

Calendario: Jueves 30 de abril de 2026

Horario:   19 a 21 h

Precio: Acceso gratuito con inscripción previa

Máximo de alumnos: 15

Inscripción aquí

Este trabajo nació como un reto personal, una necesidad de ponerme a prueba dentro del lenguaje documental, enfrentándome a un contexto complejo, cargado de significado, donde la mirada exige tiempo, distancia y respeto.

Entre 2015 y 2017 me acerqué a San Sebastián de Garabandal con la intención de observar, de entender hasta dónde era capaz de llegar como fotógrafo. En cierto modo, este proyecto también dialoga con los referentes que han marcado mi formación, con esa manera de mirar heredada de los grandes autores que siempre he admirado.

Desde el principio tuve claro que debía situarme en la distancia del observador. Sin emitir juicios, sin buscar aprobación, sin caer en la crítica. Mi intención fue estar presente sin intervenir; trabajar desde el máximo respeto y la discreción que el lugar y las personas requerían. Dejar que las imágenes sucedieran por sí solas, sin forzarlas.

Sin embargo, hay algo de lo que no es posible desprenderse: la propia mirada. Este trabajo está inevitablemente atravesado por mi forma de entender la fotografía. Una mirada sencilla, directa, frontal. Una forma de acercarme a lo que ocurre como si observara el mundo a través de un 50 mm: sin artificios, sin distorsión, sin más intención que mostrar lo que está delante de mí de la manera más clara posible.

Este proyecto no pretende explicar Garabandal, ni interpretarlo. Es, simplemente, una aproximación. Un ejercicio de observación. Un intento de estar ahí.

Sergio Cuevas

Fiebre Photobook nació en 2013 -en un momento clave de efervescencia del ecosistema del fotolibro- con una convicción: el fotolibro merece un espacio propio donde creadores, editores, coleccionistas y curiosos puedan encontrarse.

Más allá del festival, Fiebre es una plataforma especializada con vocación de formar, crear red y fortalecer la comunidad. También cuenta con una biblioteca digital accesible todo el año, contenidos divulgativos de creación propia, un podcast y el Dummy Award. En este sentido, es un proyecto vivo, en constante crecimiento y siempre abierto a nuevas sinergias.

En este encuentro haremos un recorrido por las diferentes fases que conlleva crear y consolidar un proyecto cultural independiente, explorando las decisiones que marcaron el rumbo, los aciertos, los errores y todo lo que queda por hacer, incluyendo el papel creciente de la internacionalización en el presente y futuro del proyecto.

La sesión pondrá el foco también en las novedades de la XIII edición del festival y en las convocatorias abiertas, entre ellas Cosecha 2026, una gran oportunidad para exponer proyectos en proceso en formato maqueta.

Miren Pastor (Pamplona, 1985) es creadora visual y dinamizadora cultural. Licenciada en Bellas Artes por la UPV/EHU, vive y trabaja en Madrid, donde compagina el desarrollo de proyectos fotográficos propios con la gestión y el asesoramiento en proyectos culturales.

Su obra se detiene en el paso lento del rápido tiempo: los ciclos mestizos de personas y paisajes, o la proyección recíproca de los unos en los otros hasta convertirse en una unidad. Ha autopublicado tres fotolibros del proyecto Bidean, ha expuesto en espacios nacionales e internacionales y es docente en centros formativos y universidades, incluyendo la Universidad de Monterrey a través del programa Global Community Professor.

En 2020 fundó Bestalde Studio, estudio de diseño, desarrollo web e identidad visual especializado en proyectos culturales. Desde 2013 dirige Fiebre Photobook, festival y plataforma especializada en fotolibro que se ha consolidado como punto de encuentro imprescindible para la comunidad que crea, produce, descubre y colecciona fotolibros.

https://www.mirenpastor.com @mirenpastor

https://fiebrephotobook.com @fiebrephotobook

Pilar Otí lleva casi cuatro décadas mirando el mundo a través de una cámara; 40 años de fotografía y 32 como profesional dan para mucho: para cambiar, para dudar, para reinventarse y, sobre todo, para seguir teniendo curiosidad.

En esta charla compartirá ese itinerario, no como una línea recta, sino como un mapa lleno de conexiones. Hablará de sus últimos proyectos, de lo que le mueve ahora mismo, pero también de cómo muchas de esas ideas no son nuevas, sino que nacen de trabajos anteriores, de intuiciones que estaban ahí desde el principio porque, al final, todo está conectado. Las imágenes de hoy dialogan con las que tienen ya unos años. Los temas vuelven, evolucionan, se transforman y, en ese cruce entre pasado y presente, es donde realmente se entiende una trayectoria. Este encuentro es, básicamente, eso: un viaje, un recorrido honesto por su forma de mirar, de trabajar y de entender la fotografía a lo largo de todo ese tiempo.

La trayectoria de Pilar Otí García (Entrambasaguas, 1972) se mueve entre la técnica y la mirada personal. Lleva más de tres décadas trabajando la fotografía desde distintos ángulos, combinando de forma natural creación artística, reportaje social y docencia.

Cuenta con una base sólida, con el Grado en Fotografía y Creación Digital por la UPC y un Máster en Historia de la Fotografía. Además, ha ampliado su perfil con formación en digitalización de patrimonio, postproducción audiovisual y edición de vídeo. Desde 1996 trabaja como fotógrafa autónoma, dominando todo el proceso: desde la toma hasta el tratamiento digital.

Por lo que se refiere a la docencia, en la actualidad da clases en La Vidriera (Camargo); ha sido profesora asociada en CESINE y ha impartido clases en espacios como el Centro Nacional de Fotografía o el Centro de Formación del Ayuntamiento de Torrelavega, donde ha acompañado a nuevas generaciones de fotógrafos con una metodología influenciada por referentes como Joan Fontcuberta, Chema Madoz o Carles Mitja.

Desde sus primeros premios en los años ochenta hasta proyectos más recientes como “Paisajes del cuerpo” o “Paisajes del agua”, su trabajo gira en torno a la identidad y el paisaje. Su obra se ha mostrado en contextos internacionales como la Portsmouth University y en citas nacionales como PhotoESPAÑA. Actualmente, su obra forma parte de colecciones permanentes como el Museo de Arte Moderno y Contemporáneo de Santander (MAS) o el Cabildo Canario.

@pilarotifotografia

Desarrollar un proyecto fotográfico supone emprender un camino en el que será fundamental nuestra voz y nuestra mirada. Este camino no siempre será cómodo o fácil. En ocasiones será incierto, ya que no sabremos exactamente el tiempo que nos llevará completarlo; otras veces, apasionante, cuando estemos inmersos en plena producción, y otras un tanto tedioso, cuando nos tengamos que enfrentar a cientos de imágenes en el proceso de edición.

¿Y cómo disfrutar de todo el paisaje que acompaña el recorrido de este camino? En primer lugar, será fundamental conocer las distintas fases que son necesarias para abordar con éxito un proyecto artístico contemporáneo; fases en las que no podrán faltar grandes dosis de reflexión, investigación y toma de conciencia sobre la motivación personal para el desarrollo del proyecto específico.

¿Y de qué manera se podrá materializar este proyecto fotográfico? No habrá una única fórmula; según se vaya configurando el proyecto en cuestión, se podrá formalizar de una o varias formas.

En esta clase magistral se realizará una aproximación a todas las cuestiones anteriores y a la materialización de un proyecto fotográfico en un triple formato (exposición – fotolibro – audiovisual).  Desde un enfoque teórico, la clase se apoyará en la explicación de la metodología personal que Mar Sáez ha aplicado a sus proyectos y en la visualización de los mismos para plantear estrategias y herramientas que permitan contar historias con imágenes.

Mar Sáez (Murcia, 1983) es una artista multidisciplinar que trabaja con fotografía, texto, vídeo y sonido. Es licenciada en Psicología y Comunicación Audiovisual, con especialización en fotografía contemporánea, teoría y proyectos artísticos. En 2021 recibió una beca de la Academia de España en Roma para una residencia artística.

Su obra explora la identidad y la biopolítica, abordando las realidades que le preocupan desde una perspectiva inmersiva. Por ello, su trabajo trasciende el formato fotográfico y se materializa en instalaciones, libros, documentos web y películas.

Ha publicado tres fotolibros: “Vera y Victoria” (2016) y “Gabriel” (2018), con la editorial André Frère Éditions, y “Terza Vita” (2024), con La Fábrica y Schilt Publishing.

Su obra forma parte de colecciones en Europa, Asia y Estados Unidos, y está representada por la galería Daniel Cuevas en Madrid y Fifty Dots en Barcelona.

https://www.marsaez.com

@marsaezphotography

Calendario: Sábado, 6 de junio de 2026

Horario:   10 a 14 y 16 a 20 h

Precio:   45 €

Máximo de alumnos: 15

Inscripción aquí

En este tiempo en el que nuestro horizonte se amplía a todo el planeta y los cambios son más rápidos que lo que la mente humana puede asimilar, la fotografía -que se había asentado como una prueba fehaciente y veraz de “la realidad”- se torna como protagonista de posverdades y definitivamente nos deja desamparados en un mundo virtual.

Frente a ello, Iñaki Izquierdo propone, como práctica fotográfica, el contacto directo con la persona y la vuelta a las experiencias cercanas. En esta charla, Izquierdo desgranará su experiencia como autor fotográfico, explicando algunas de las claves de su trabajo que pueden servir de guía tanto para quien busca su espacio en la fotografía como para quien quiera entender su trabajo como espectador.

De esta manera, realizará un repaso de los principales trabajos en los que ha estado embarcado en los últimos años, haciendo hincapié en la formación como fotógrafo y en las claves que han marcado cada una de sus series, todo ello desde la idea de la relación íntima que existe entre la fotografía y la realidad.

Iñaki Izquierdo Muxika (Sestao, Vizcaya, 1965) es un fotógrafo documentalista que profundiza en los temas que trabaja con el fin de ofrecer al espectador una imagen bien definida de su experiencia. Utiliza la fotografía como testimonio social, con el ser humano como centro de sus trabajos.

Hasta la fecha ha completado cuatro grandes trabajos documentales, además de otras series en las que continúa trabajando. “Imágenes de La Minería” (1998) reconstruye la actividad minera del entorno de La Ría de Bilbao a través de sus vestigios. En “Viviendo en Sestao” (2006) dirige una mirada de nostalgia a su propio pueblo, Sestao, con el fin del paisaje industrial de su niñez de fondo. “Pasiegos siglo XXI” (2011) muestra uno de los fenómenos antropológicos más singulares de los que aún perduran en España; fue incluido en las actividades del décimo aniversario de la convección del Patrimonio Cultural Inmaterial de la UNESCO (junio 2013). Por último, “Chernobyl. La amiga invisible” nace de la colaboración con las asociaciones que acogen menores afectados por la radiación de Chernobil y muestra la vida cotidiana en Bielorrusia en torno a esos menores; fue premiado en el programa Comisariado 2023 de artes plásticas del Gobierno de Cantabria.

https://www.izquierdofoto.com

https://www.facebook.com/inaki.izquierdomuxika