Toda fotografía tiene algo de descubrimiento para quien elige el enfoque correcto al realizarla, y también algo de acercamiento para quien la observa una vez realizada. El fotógrafo nos acerca su impresión de una realidad observada. Cada mirada contiene un doble juego circular de visiones, comunicación-interpretación.

La mirada de Pepe Lamarca, tiene ya muchos años de trayectoria en los que, poco a poco, se fue creando una personalidad fotográfica. Es muy conocido en nuestro país por los retratos llenos de vida que fijaron en nuestro imaginario su quehacer artístico. Personajes icónicos del mundo de la cultura: el arte, la música, en especial el flamenco y el mundo de los gitanos por el que su mirada se apasionó.

Miro una y otra vez los retratos de Pepe Lamarca y le reconozco a él, su sencillez y su falta de artificios se transparenta en sus retratados, se implica con ellos, saca su vida y al tiempo les da una nueva vida que proyectaran para siempre. Es así, como sus fotografías, portadoras de cierta eternidad, perduran en el tiempo saltando a un nuevo género el de ser documento.

Lamarca venía de viajar con su cámara por otras latitudes, su Argentina natal, de donde ya traía muchas imágenes captadas con la emoción y el interés que le caracterizan. Es así como conoció y retrató a Janus Eichler. Estamos ante un acontecimiento fotográfico porque este proyecto que ahora se nos revela con Eichler nos transporta a un nuevo y desconocido mundo. Es retrato, es documento y es antropología.

En estas fotografías de Pepe Lamarca (Buenos Aires - Argentina, 1939) realizadas ya hace unos cuantos años, conocemos a Janus Eichler, (Polonia 1923, Buenos Aires 2002) una persona de aspecto apacible, simpático, con un bagaje vital duro. Deportado a Siberia, sufrió con su familia persecuciones, campos de concentración, maltratos y una agria lucha por la supervivencia. Salió de su país debido a la Segunda Guerra Mundial y después de su largo y muy duro periplo, en 1951 llega a Argentina, donde encuentra su lugar y desarrolla toda su trayectoria artística como pintor. En su otra faceta de ilustrador realizó trabajos para la editorial Codex sobre obras de Borges, El Quijote y las Tradiciones peruanas de Ricardo Palma.

Se establece en un barrio marginal porteño, El Dock Sud, apodado como “Los inundados darseneros”, en la desembocadura del Riachuelo al Río de la Plata. Un barrio muy deprimido, olvidado, donde la supervivencia y la miseria son protagonistas, al que ningún extraño se acerca con confianza. Allí, Eichler se interesa por sus gentes y sus formas de vida, convive con ellos, entre paisajes portuarios, con buques petroleros e industrias. Es difícil imaginar en este entorno una vida cotidiana.

Janos (Juan), se implica con sus vecinos, participa en sus características Murgas, y crean la “caravana de la alegría“, fue así como, en convivencia con ellos, Pepe Lamarca lo capta con su cámara.

Esta exposición tiene así una triple mirada: La del fotógrafo que convive con los retratados, la de darnos a conocer al artista Janos Eichler, y además la visión de la vida de un barrio que, entre las miserias, inventa la felicidad con sus disfraces, su expresividad y la música de sus murgas, con las herramientas que tiene.

Aquellas fotografías se transforman, nuevamente, en un interesante documento. Esta exposición es un viaje fotográfico que nos transporta a otros barrios lejanos donde los ciudadanos se ganan el derecho a habitar su ciudad, donde se crea vida. En entornos desprotegidos y olvidados, donde no parece posible que reine la fiesta y la alegría, Janos Eichler, un artista, emigrante polaco, con una experiencia de gran sufrimiento e incomprensión y obra pictórica muy hermosa, crea comunidad vecinal.

Es allí donde la mirada sensible de Pepe Lamarca disfruta también de esos momentos y los fija con su cámara. El sobresalto y el temblor del barrio Dock Sud (Buenos aires) con una madeja de duras experiencias luchas y avatares queda aquí reflejado en unos de sus momentos vitales festivos, tan necesarios para continuar habitando las ciudades.

Eva Ranea

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Se trata, pues, de un trabajo de reportaje social que Pepe Lamarca quiso hacer en torno a Juan Eichler y su pequeña revolución con los jóvenes del barrio Dock Sud de Buenos Aires, a través de su iniciativa lúdica "Caravana de la Alegría". 15 imágenes para el recuerdo de tiempos que ya no volverán.

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Pepe Lamarca (Buenos Aires - Argentina, 1939) inició su andadura profesional en los sesenta, realizando reportajes gráficos para los sindicatos sobre trabajos insalubres y documentando las condiciones de vida de los “golondrinas”, jornaleros que se desplazan, durante nueve meses al año con toda su familia, a las regiones ricas para sacar adelante las cosechas o trabajar tierras no explotadas por los terratenientes.

En esa época entabla relación profesional con el fotógrafo Humberto Rivas, retrata a numerosos escritores y artistas argentinos y conoce en la capital porteña a Paco de Lucía, Camarón y Antonio Gades. Estaba trabajando en las fotografías de los carteles que debían anunciar la actuación del bailaor cuando la policía allanó su estudio y lo detuvo. A su salida de prisión, en 1971, decidió salir del país en dirección a Madrid.

Ya en España, firma los carteles de la brillante etapa de Gades al frente del Ballet Nacional y del espectáculo Carmen. Hace retratos de Camarón de la Isla, Paco de Lucía y numerosas portadas de discos y trabajos fotográficos para José Menese, Rafael Romero, El Lebrijano, Carmen Linares, José Mercé, Fosforito, Terremoto y los guitarristas: Niño Miguel, Enrique Melchor, Juan y Pepe Habichuela y Tomatito.

Esta charla propone, partiendo del trabajo pionero de la bióloga y botánica Anna Atkins, un recorrido por la historia de la técnica de copia fotográfica de la cianotipia. Este antiguo procedimiento fotográfico monocromo permite obtener copias en un característico azul de Prusia.

La propuesta busca acercar al público la figura de Anna Atkins haciendo un reconocimiento de su trabajo y mostrando la evolución desde el siglo XIX hasta la actualidad de la técnica de los cianotipos. La artista Tamara García presentará algunos de sus proyectos en los que utiliza la cianotipia sobre distintos soportes y que servirán para explicar su proceso creativo a través de este medio. Durante la sesión se mostrarán obras de diferentes artistas de los siglos XX y XXI que han trabajado con esta técnica.

Tamara García (Santander, 1980) es una artista multidisciplinar cuya obra investiga el tejido de nuestras relaciones sociales, políticas y culturales. Su trabajo reflexiona sobre cómo estos vínculos se moldean a través de normas no escritas, costumbres y tradiciones, cuestionando las estructuras que rigen lo público y lo privado, lo institucional y lo íntimo, lo considerado alta o baja cultura. A través del arte visual, el vídeo, la performance o la instalación, explora cómo habitamos el espacio y nos adaptamos a las imposiciones geopolíticas contemporáneas.

Licenciada en Bellas Artes y Diplomada en Restauración de Obras de Arte, ha ampliado su formación con becas en la Berkeley Academy (California), en el CECRA de las Azores y en distintas residencias artísticas.

Ha participado en proyectos internacionales como Points of Return (Nueva York y Massachusetts), en la Feria JUSTMAD, en PROYECTOR (Madrid), en festivales como FIM, BAD o Sestao Photo (Bilbao), Desvelarte, Hágase la Luz, y el Festival Internacional de Mapping y Artes Visuales El Puerto Encantado (Santander), entre otros.

Desde 2020 es directora y programadora del Centro Cultural Eureka en Santander. En 2025 ha puesto en marcha el Encuentro de música electrónica experimental, cuerpo y visuales Frecuencia Oblicua. Forma parte de los colectivos GG, Söon i Noki y LA UCA, desde donde investiga las artes visuales en diálogo con la música electrónica experimental avanzada.

Vivian Maier (Estados Unidos, 1926-2009) fue una fotógrafa estadounidense cuya obra -centrada en la vida cotidiana y el ambiente de la calle- permaneció inédita hasta después de su muerte.

Hija de la francesa Maria Jaussaud y el austriaco Charles Maier, Vivian nació en Nueva York, aunque pasó gran parte de su juventud en Francia. Hacia 1930, su padre abandonó la familia. En 1951, cuando tenía 25 años, se mudó a Nueva York y empezó a trabajar como niñera, trabajo al que se dedicó el resto de su carrera profesional. Al año siguiente, en 1952, adquirió su célebre cámara Rolleiflex.

En 1956 se trasladó a Chicago, donde la familia para la que trabajaba le permitió tener un pequeño cuarto de baño junto a su habitación que Maier utilizaba como cuarto oscuro para revelar algunas de sus fotografías. Sin embargo, a medida que los niños crecían y tenía que cambiar de familia, se veía abocada a dejar sin revelar carretes que poco a poco se iban acumulando. En esta época comenzó también a tomar fotografías en color, utilizando carretes Kodak y distintos tipos de cámaras réflex.

Entre los temas recurrentes que fotografía, la calle como escenario jugaba un papel fundamental, también los niños y las gentes de clases sociales desfavorecidas.

Las claves de la fotografía de Vivian Maier son su observación profunda de la vida cotidiana en la calle, sus autorretratos ingeniosos usando reflejos, una composición cuidada y una habilidad única para capturar el alma humana.

Horario: Jueves , 19 de marzo de 2026: 19 h

Precio: gratuito con inscripción obligatoria

Máximo de asistentes: 15

Inscripción aquí

Su familia y su historia han moldeado la forma en que observa el mundo. La importancia de su gente, los gestos, los recuerdos y los espacios cotidianos fueron sus primeros escenarios. Su trabajo nace de lo cercano: de las historias que encuentra en casa, de lo que tiene a mano, en sus sueños y en quienes le han acompañado. Lo evocativo, lo que vuelve sin ser llamado, lo que reclama memoria, suele ser el punto de partida.

Referentes como Sally Mann le enseñaron que lo íntimo puede ser tan vasto como cualquier paisaje exótico. Y Duane Michals le abrió la puerta para contar historias con imágenes, confiar en que la emoción también es narrativa; de él nació también su necesidad de escribir.

En esta charla María De Las Casas nos hablará de cómo mira, por qué mira así y qué significa trabajar desde el propio territorio. ¿Qué busca al levantar la cámara?, ¿qué desea convocar?

En ese diálogo íntimo entre lo que ve y lo que recuerda surge la imagen que le habita.

Una imagen que no aparece por azar, sino en el cruce entre experiencia y memoria: un lugar donde lo cotidiano se revela y donde fotografiar es una forma de recordar y de enfrentarse al mundo.

María De Las Casas (Caracas - Venezuela, 1965) es una fotógrafa con más de 30 años de trayectoria, asentada en Santander desde 2014. Licenciada en Bellas Artes por el College of Santa Fe (Nuevo México, Estados Unidos), ha desarrollado una obra íntima y evocadora, centrada en la memoria, el territorio personal y la observación de lo cotidiano.

En Cantabria ha realizado exposiciones individuales en instituciones como la Fundación Bruno Alonso, el Centro Nacional de Fotografía, La Caverna de la Luz, y el Centro Cultural La Vidriera. También ha participado en varias muestras colectivas, incluyendo varias ediciones de PHotoESPAÑA.

Su experiencia profesional abarca docencia universitaria, formación artística para niños y adultos y gestión de imagen y comunicación. Cofundadora del Club de Fotografía La Solana, ha sido además vicepresidenta de Espacio Imagen y ha ocupado cargos de liderazgo en Toastmasters International, donde ha obtenido varios premios de oratoria. En su labor docente y creativa destaca la transmisión de una mirada propia, alimentada por una vida de viajes, mudanzas y la exploración de la memoria a través de la imagen.