One shot, imágenes sin dueño

Esta colección de imágenes nace de lo que casi nunca se enseña. De las fotografías que no encajan en ningún proyecto, que no ilustran una historia concreta y que rara vez vuelvo a mirar. Son imágenes solitarias, perdidas en los contactos, huérfanas de contexto. Muchas veces no recuerdo cuándo, ni dónde las hice. No responden a una intención clara ni a una decisión técnica consciente. Aparecen como un gesto reflejo, un impulso ejecutado sin pensar. No fueron pensadas para gustar, ni para ser útiles, ni siquiera para perdurar. Y, sin embargo, aquí están.

Son fotografías que no forman parte de nada y, precisamente por eso, no le deben nada a nadie. No tienen dueño, ni encargo, ni explicación. Con el tiempo he entendido que en esa falta de control hay algo profundamente honesto. Estas imágenes funcionan como una grieta, una ventana abierta a un yo todavía por descubrir. Un espacio donde la mirada se adelanta al pensamiento y donde la cámara actúa antes de que aparezca el juicio. One Shot no es una búsqueda de respuestas, sino una aceptación de la duda. Un intento de reconciliarme con lo que fotografío cuando no sé por qué lo hago. Porque a veces, las imágenes que creemos olvidadas son las que más se parecen a nosotros.

Sergio Cuevas (Torrelavega, 1978) es un fotógrafo autodidacta cuya formación no ha seguido un camino académico, sino uno construido a base de mirar, fotografiar y volver a mirar. Creció visualmente tomando como referentes a los grandes fotógrafos clásicos, especialmente Garry Winogrand, Robert Doisneau, Henri Cartier-Bresson o Elliott Erwitt, autores que marcaron de forma decisiva su manera de entender la fotografía como un acto intuitivo, humano y profundamente ligado a la calle y a la vida cotidiana.

La mayor parte de su trayectoria profesional se ha desarrollado en el ámbito de la fotografía social. Durante años ha trabajado en bodas, familias y retratos, intentando siempre vestir este trabajo comercial con sus propios gustos e influencias, buscando una mirada documental, honesta y atemporal, donde la emoción y el gesto tengan más peso que la puesta en escena.

Paralelamente, ha mantenido una línea de trabajo más personal centrada en la fotografía de calle. Un espacio de libertad creativa en el que la cámara se convierte en una extensión de la mirada y el impulso manda sobre la técnica. En este contexto nace “Pasajeros de la luz”, un proyecto realizado entre 2013 y 2018, fotografiado en blanco y negro y en formato medio, que recoge escenas cotidianas y anónimas desde una aproximación íntima y silenciosa; una selección de este trabajo fue expuesta en París. Por su parte, “Más allá del lugar” fue un proyecto que representó un punto de madurez en su forma de mirar: imágenes sencillas, directas, sin artificio… donde la luz y el instante sostienen todo el peso narrativo.

Su trabajo, tanto comercial como personal, parte siempre de la misma premisa: observar sin intervenir, dejar que las cosas sucedan y confiar en que una sola imagen, tomada en el momento justo, pueda contener más verdad que cualquier explicación.